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La élite chilena: una aberrante historia de privilegios y exclusión

3 enero, 2022 admin
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Rostros de los más ricos de Chile

Por Jorge Molina Araneda

Es posible sostener que la historia de la élite se encuentra directamente asociada a la historia política del país, por lo menos hasta mediados del siglo XX. Dado que la producción chilena era básicamente agraria, el primer símbolo distintivo y excluyente en la sociedad se configuró en torno a la posesión de grandes extensiones de tierra. Poseer un latifundio era sinónimo de poder, en vista de que suponía que el dueño lideraba un ámbito de la producción de alimentos, dominaba a un número importante de inquilinos y, junto con ello, controlaba una parte del territorio nacional.

La figuración política de los miembros de este grupo privilegiado se produce solo cuando deciden organizarse formalmente para oponerse a las fracciones realistas y luchar por la independencia del país. Asumiendo de ahí en adelante las responsabilidades asociadas a su liderazgo, rápidamente adoptaron los mecanismos de dominación sumando el desempeño de cargos políticos: presidentes, ministros, parlamentarios, etc. Tanto el dinero como el poder fueron monopolizados por unos pocos en detrimento de los muchos; estos últimos al carecer de capital económico y de una instrucción educacional mayor, no tenían posibilidades de disputar estos recursos.

Considerando que en este período la mayoría de los chilenos se encontraba subordinado a la autoridad de un patrón, resulta factible suponer que la ejecución de estas prácticas obedeció a una estrategia planificada y orientada a fijar el control social en una minoría ilustrada.

Probablemente la calidad moral de la élite no hubiese sido tan respetada sino hubiera sido por su férreo apego a la religión católica y la rigurosa adopción de su doctrina. El matrimonio pasa a ser una de las responsabilidades centrales de las mujeres de esta cofradía, al ser el mecanismo de exclusión que se encuentra bajo su dominio. Si los hombres determinan quienes califican económica y políticamente para vincularse con ellos, las mujeres imponen sus criterios de selección para extender las redes familiares y así, velar por la pureza y distinción del clan. Utilizando la terminología de Bourdieu, es posible afirmar que el género masculino se encuentra encargado de la reproducción del capital económico, mientras que el femenino, procura transformarlo en capital cultural y social para sus hijos, mediante el reconocimiento y la valoración de los símbolos distintivos del mayor estatus y prestigio social.

En 1938 la elección del primer presidente radical marcó el inicio de la decadencia política de la élite, al posicionar la lucha contra la pobreza y las desigualdades sociales como eje central de su gobierno. Así, los esfuerzos de este “selecto grupo” por contrarrestar la efervescencia popular fueron insuficientes y no pudieron contra la Reforma Agraria, que esperaba redistribuir las tierras productivas del país. La irrupción social fue de tal envergadura que tampoco pudo evitar la toma de sus principales empresas, ni el que una fracción de la Iglesia Católica se volviera en su contra. Al sentirse injustamente atacada, la élite se retiró de la vida pública y decidió dedicarse plenamente a sus actividades e intereses privados. Siendo la formación espiritual y académica de sus hijos una de sus principales preocupaciones, se afilió a congregaciones católicas más conservadoras como el Opus Dei y los Legionarios de Cristo para confiarles la tutela de su descendencia.

La concentración de los hijos de la élite en establecimientos educacionales dirigidos por estos movimientos ha significado el desplazamiento de un conjunto de colegios que tradicionalmente habían formado a los líderes políticos y económicos de Chile. Actualmente ningún integrante de la élite corporativa, menor de cuarenta años ha estudiado en el Instituto Nacional, ni ha matriculado a sus hijos en este liceo de excelencia. Los nuevos colegios de la élite han ganado cada vez más credibilidad y prestigio social, en vista de que, “entre los líderes egresados de los colegios ‘Ivy league’ chilenos, cinco de cada diez líderes provienen de colegios de iglesia o pertenecientes a movimientos religiosos para el caso de los mayores de 60 años, cifra que aumentó a siete de cada diez para los de entre 40 y 60 años, para disminuir levemente a 6,2 de cada diez en los menores de 40” (Revista Capital).

Los nuevos colegios en los que se educan sus hijos no solo son funcionales a las expectativas formativas de sus padres, sino que además se constituyen como espacios de socialización que permiten incrementar y desplegar el capital social de este grupo. Así, la familiaridad que provee este entorno facilita la socialización temprana de los niños en las lógicas de pensamiento y los modos de conducta propios de la élite, a su vez que refuerza las redes sociales que posteriormente pueden llegar a traducirse en una contratación o un matrimonio. Desde este punto de vista, no habría porqué suponer que la composición de este segmento social y sus mecanismos de distinción han variado de forma sustantiva en el tiempo.

El supuesto bajo perfil que cultiva la élite en la actualidad no se debe a una pérdida de su capacidad de dominio, sino más bien a un nuevo modo de resguardar sus intereses y su integridad moral. Su invisibilización ha sido favorable al despliegue de sus prácticas excluyentes que, al no ser denunciadas, los libran de las críticas y de la sobreexposición que generan y que tanto daño le hicieron en el pasado, al cuestionar su ejercicio del poder, imponiéndose ahora más bien por la concentración del capital, la manipulación mediática y los conocimientos expertos.

Por otra parte, Chile suma 120 años de desigualdad extrema y es uno de los países con más diferencias socioeconómicas de América Latina, alertó un prestigioso informe difundido por la Escuela de Economía de París este martes 7 de diciembre. El estudio, encabezado por el World Inequality Lab -dependiente de la institución académica-, señaló que la mitad de la población con menos recursos acumula una riqueza aproximada al 0 por ciento del total, mientras que el 1 por ciento más rico posee casi la mitad de ella (49,6 por ciento). De hecho, la riqueza acumulada del 50 por ciento menos rico es negativa, del -0,6 por ciento, por la cantidad de población endeudada en este sector, agregó el centro de investigación.

«El país es uno de los más desiguales en América Latina con niveles comparables a la desigualdad de Brasil«, apuntó el documento, coordinado por varios economistas emblemáticos entre los que destacan Thomas Piketty y Gabriel Zucman.

En cuanto a los ingresos, la mitad de la población más pobre acumula el 10 por ciento, mientras que el decil más rico aglutina un 60 por ciento y el 1 por ciento más pudiente acumula el 26,5 por ciento de las entradas. El ingreso laboral femenino es el 38 por ciento del total, lo que implica un «significativo descenso» de la desigualdad en los últimos 30 años y se acerca a otros países vecinos como Argentina (37 por ciento) o Brasil (38 por ciento). Sin embargo, el 10 por ciento superior (grupos millonarios) gana casi 30 veces más que el resto de la población, lo que equivale a una cifra de 82,9 millones de pesos.

La desigualdad en Chile ha sido extrema en los últimos 120 años, incluso después del fin de la dictadura militar de Augusto Pinochet (1973-1990), lo que provocó (en 2019) una ola de protestas sociales, señaló el estudio. Chile es, según la Organización para la Cooperación y el Desarrollo Económico (OCDE), uno de los países más desiguales de la región -solo por detrás de Costa Rica-. La mitad de la población con menos recursos acumula una riqueza aproximada al 0 por ciento del total, mientras que el 1 por ciento más rico posee casi la mitad de ella.

Pierre Bourdieu en su Los estudiantes y la cultura (1964), masivamente conocido como Los Herederos, señaló, entre otras cosas, que la educación francesa produce y reproduce el privilegio, por lo tanto, la meritocracia es solo una ilusión. En diciembre de 2016, Seth Zimmerman, economista de Yale y profesor de la facultad de negocios de la Universidad de Chicago, publicó en el National Bureau of Economic Research una investigación en que queda al desnudo el mito de la meritocracia en nuestro país.

El estudio muestra que en Chile, asistir a una universidad de élite aumenta las probabilidades de una persona de ascender a puestos de alta dirección en las grandes empresas e ingresar al grupo del 0.1% más rico, pero solo teniendo como prerrequisitos el haber asistido a uno de los ocho colegios privados más exclusivos antes de la universidad.

En otras palabras, una educación de élite sólo sirve para amplificar unos orígenes de élite. El estudio reconoce que las personas procedentes de entornos desfavorecidos se benefician al recibir una buena educación, pero por regla general en Chile no ascienden tan alto como sus homólogos privilegiados.

Para mayor abundamiento, ingresar a Derecho, Ingeniería Comercial o Ingeniería Civil en la Universidad de Chile o en la Pontificia Universidad Católica (PUC) mejora notablemente las posibilidades de llegar a la élite empresarial y económica. Esa probabilidad se incrementa aún más si estas personas fueron estudiantes del St. George, The Grange School, El Verbo Divino, Colegio Manquehue, Tabancura, San Ignacio y el Craighouse.

Asimismo, el estudio revela que los ingresos promedio de los egresados de esas tres carreras de la PUC y la Universidad de Chile son de aproximadamente US$ 79.000 al año. De acuerdo al diario La Tercera (2018): “Con el 0,3% de los alumnos totales del sistema, los egresados del Instituto Nacional coparon el 10% de los programas universitarios de élite, pero luego obtuvieron sólo el 7% de las posiciones de liderazgo (gerencias y directorios) en las principales empresas chilenas. Los egresados de colegios privados de élite representaron el 0,5% del total de estudiantes y se llevaron el 19% de los cupos universitarios de excelencia. La gran diferencia vino después: ellos acapararon ¡el 53%! de los 3.759 altos puestos directivos considerados”.

Amén a lo anterior, un estudio del sociólogo de la Universidad Católica Sebastián Madrid, de 2016, expuso las prácticas que son habituales al interior de los colegios de élite. Para eso entrevistó a exestudiantes de 18 colegios de élite ubicados en cuatro comunas del sector oriente de Santiago. Aunque son muy homogéneos en cuanto al nivel socioeconómico de sus alumnos, el estudio identifica tres tipos de colegios de élite en Chile: los fundados por congregaciones católicas tradicionales (Jesuitas, Padres Franceses y Holy Cross); los influidos por los nuevos movimientos católicos (Legionarios de Cristo, Opus Dei y Schoenstatt) y los fundados por inmigrantes, siendo los más influyentes los anglosajones.

“Deliberadamente seleccionan a ‘iguales’ y se establecen redes de contacto activas basadas en amistad y parentesco“, afirma el estudio, que califica este hecho como una “endogamia particular”. Los principales cedazos son los altos aranceles que cobran, que pueden llegar hasta US$20 mil por estudiante al año (con matrícula, cuota de incorporación y mensualidad). La cifra supera el ingreso per cápita de Chile y es casi cinco veces el salario mínimo de un año. Ninguno entrega becas. Además, casi todos (90%) seleccionan también por habilidades cognitivas, a través de pruebas. Según el estudio, ésta sería “una forma de asegurarse a los estudiantes más fáciles de educar“. Sin embargo, advierte que, pese a que figuran en los rankings nacionales, en las pruebas internacionales como PISA obtienen resultados mucho más bajos que alumnos de similares condiciones de la OCDE, y en Latinoamérica solo superan a los estudiantes de la élite peruana.

Al estar en contacto principalmente con personas iguales, estos estudiantes tendrían un “aislamiento” del resto de la sociedad, una especia de burbuja, y para la mayoría “la universidad es el momento en que la sociedad emerge frente a ellos“.

Ortega y Gasset siempre creyó que la sociedad se fundaba en un proyecto colectivo a futuro; ergo, qué clase de inclusión y sociedad democrática pretendemos construir, si a la luz de lo ya expuesto continuaremos viviendo en una sociedad segregada, en que algunas de las principales herramientas de socialización, como son los colegios y algunas universidades top, pertenecen de forma casi exclusiva a la élite endogámica de este país.

El concepto de “fórmula política” esgrimido por Gaetano Mosca en su trabajo sobre las elites en el poder, permite comprender cómo sus mecanismos de dominio penetran en los espacios más íntimos de las personas, logrando convencerlas de que sus líderes están en lo cierto y que, por ende, son merecedores de todos sus privilegios. Los argumentos que suelen generar este efecto en la población tienden a aferrarse a ideologías y a hitos históricos que exaltan los valores y la integridad moral de los miembros de la minoría. De ello se desprende que algunas corrientes religiosas sean funcionales a los intereses de la élite, en la medida que permiten justificar las desigualdades, a partir de la convicción de que la vida terrenal es un pasaje acotado de sus vidas, siendo la vida espiritual el espacio en el que se revierten las desigualdades y se extienden los privilegios.

Así, es muy probable que las cúpulas elitarias no solo estén compuestas por líderes políticos y económicos, sino que también se materialicen en figuras eclesiásticas. De acuerdo a Mosca, “en las sociedades donde las creencias religiosas tienen mucha fuerza y los ministros del culto forman una clase especial, se constituye casi siempre una aristocracia sacerdotal, que obtiene una parte más o menos grande de la riqueza y del poder político. Los sacerdotes, además de cumplir con los oficios religiosos, poseían también conocimientos jurídicos y científicos y representaron a la clase intelectualmente más elevada”. En consecuencia, es posible sostener que dogmas como el cristianismo se posicionan como mecanismos idóneos para promover la legitimación de la élite.

Esta apreciación es compartida por Charles Wright Mills al sostener que, “las personas que gozan de ventajas se resisten a creer que ellas son por casualidad personas que gozan de ventajas, y se inclinan a definirse a sí mismas como personas naturalmente dignas de lo que poseen, y a considerarse como una élite natural, y, en realidad, a imaginarse sus riquezas y privilegios como ampliaciones naturales de sus personalidades selectas. En este sentido, la idea de la élite como compuesta de hombres y mujeres que tienen un carácter moral más exquisito constituye una ideología de élite en cuanto estrato gobernante privilegiado, y ello es así ya sea esa ideología obra de la élite misma o de otros”.

Los argumentos presentados por ambos autores permiten comprender el protagonismo social de la élite como el resultado de dos procesos simultáneos; por un lado, su autoconvencimiento de constituir un grupo virtuoso, y por el otro, el refuerzo popular de esta creencia, a través de la convicción de que sus miembros son los únicos capaces de asumir las responsabilidades de gobierno. Si tradicionalmente estos procesos se expresaron mediante la creencia en la investidura divina de los soberanos y de los nobles, actualmente tienden a materializarse en los tecnócratas moralmente intachables.

Considerando que en Chile la educación de mejor calidad se encuentra en manos de instituciones privadas y que no existe un establecimiento de educación superior gratuita, es posible sostener que esta reorientación valórica ha contribuido a reforzar las diferencias sociales entre la élite y el resto de la población. De esta manera, el poder de la élite tiende a reproducirse circularmente porque si la mayor posesión de capital económico permite acceder a la mejor formación académica y ésta, a su vez, es premiada con los puestos de trabajo de mayores responsabilidades e ingresos, no es de extrañar que sus cuotas de poder se mantengan o que incluso, hayan aumentado en el último tiempo.

Los niveles de endogamia y las estrechas relaciones familiares entre los dueños y los altos ejecutivos de las mayores empresas, bancos y corporaciones agrarias del país, parecen probar este supuesto, en la medida que, el valor de los apellidos y la familiaridad siguen siendo criterios relevantes al momento de realizar una contratación o ampliar las redes de poder y parentesco.

Junto con ello, la persistencia de una moral extremadamente católica y un modo de vida rigurosamente conservador, permiten sostener que los modos de distinción de la élite criolla, siguen operando conforme a la lógica del período colonial. El autoconvencimiento de los miembros de este “selecto” grupo respecto de su superioridad moral es el principal argumento para fundamentar sus privilegios. Distinguirse en términos morales tiene implicancias que superan las meras consideraciones valóricas, ya que equivale a un medio que justifica las desigualdades materiales en la sociedad. Ser “moralmente mejor”, otorga el derecho a acceder a la mejor educación y a las mejores ocupaciones, junto con posibilitar las mayores recompensas económicas y todos los beneficios asociados a este estilo de vida.

Ahora bien, la aceptación generalizada de estas diferencias se basa en la legitimidad social con la que cuenta la élite por sus facultades de dominio que, a su vez, son movilizadas para reforzar las diferencias sociales y en consecuencia, distinguir entre semejantes e inferiores, y que estos últimos acríticamente acepten esta aberración como fidedigna.

Tomado de: América Latina en movimiento

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Las marcas políticas del silencio

3 enero, 2022 admin
Con Cuba
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Por Cimarronas

Muchos cuerpos marcados como mujer encontramos en el feminismo un espacio para sostenernos emocionalmente, las unas a las otras. Sorprendería cuán común es hallar historias de violencia machista y abuso sexual en nuestras vidas y las de nuestras compañeras. Desde los aprendizajes feministas y la valentía que alimenta el sabernos «no solas», militar es también escuchar y acompañar esas historias de abuso y violencia, en un proceso que nos ayuda a identificar y contar también las nuestras, como víctimas.

La violencia sexual contra las mujeres es una, y abarca actos que van desde el acoso verbal, la coacción, la presión social, la intimidación, el abuso de poder, la fuerza física, la penetración forzada o la esclavitud.

Cualquier violencia que sea sistémica y que no tenga mecanismos eficaces que la contrarresten implica un margen muy alto de impunidad. La violencia de género es sistémica, y la violencia sexual machista también lo es.

El Patriarcado se erige tan hegemónico y tóxico como el Capitalismo, que no se olvide, ni se obvie; y ambas estructuras, cada vez más complementadas, profundizan sobremanera las desigualdades de género y precarizan la situación social y política de la mujer y su derecho vivir con dignidad.

Todas las formas de violencia contra las mujeres han desarrollado herramientas estructurales de legitimidad que minimizan las agresiones y culpabilizan a la víctima, con un carácter ejemplarizante. «No fue para tanto», «pude haberlo evitado», «no debí coquetear», «no debí venir a su casa», «no debí aceptar la bebida», «no debí vestir así», «no debí responderle», «no debí andar sola de noche», «yo me lo busqué». Estas expresiones empuñadas una y otra vez terminan por ser «ciertas» hasta para nosotras mismas. Y nada más nocivo para ese país justo que queremos construir.

Muy pocas denunciamos (menos del 5%), y es por eso. Por vergüenza, por culpa, por estar confundidas sobre lo sucedido, por querer olvidar, porque nos toma muchas veces años entender que fuimos víctimas de un abuso, porque la mayoría de nuestros sistemas de apoyo cercanos son inadecuados, por los pactos patriarcales que se tejen posteriormente a la denuncia, por la revictimización. Y porque contar trae sus propios riesgos.

Siempre que un cuerpo marcado como mujer comparte públicamente una historia de violencia se expone muchas veces a nuevas formas de violencia. Compartir historias de violencia no tiene para la víctima ninguna ventaja, o muy pocas. Pero sí muchas para el movimiento, y su necesidad imperativa de visibilizar el problema, como debate político, porque todos los días nos agreden (y también nos matan).

Para quien, en un momento de «ultrarracionalidad» machista, asume que podemos mentir, le decimos que la presencia de las denuncias falsas en datos es insignificante. Apenas existe, y en los casos en los que ocurre, el momento legal se hace cargo de ellas también. Y NO, tampoco son denuncias falsas todas las que no terminan en condenas firmes, como ocurre igualmente a veces, por no hacer un uso alevoso los abusadores de la fuerza física para la violencia, y la posterior falta de «marcas» que prueban el delito, como si las huellas psicológicas no fueran suficientes.

Tampoco debemos olvidar que la maquinaria del proceso penal es sobremanera revictimizante, porque aún tenemos sistemas judiciales y policiales patriarcales. Y que esto sucede en todo el mundo, no solo en Cuba. Que, en caso de duda, un grupo importante de personas, se ponga del lado del históricamente oprimido es un buen síntoma, de toma de conciencia. Como también lo es que las mujeres denuncien más y más, porque significa que lo que antes era invisible, ahora es un problema político.

La denuncia hecha con rigor es siempre positiva, aunque duela, porque la política emancipatoria debe ser siempre honesta. En comunicarla con rigor hay siempre una responsabilidad periodística tremenda, que debe lograr, y esto es irreductible, no seguir legitimando (más) esa violencia machista.

Instrumentalizar ese dolor para causas ideológicas es también revictimizar, y ser violentxs.

Una denuncia pública de abuso sexual machista tiene dos momentos fundamentales, uno político y uno judicial. Ambos importantes y necesarios para completar el acto pedagógico. En el momento político, del que forman parte indispensable los medios socialistas de comunicación, se construyen sentidos y consensos, se fijan y defienden ideas fuerza, se camina un poquito hacia la transformación de los fundamentos patriarcales sobre los que aprendemos la vida. El momento legal resuelve con un carácter jurídico ese proceso, «hace justicia».

La Revolución se prepara para asumirlos a ambos, como un gran desafío, en un proyecto de país que sigue siendo problematizado, profundizado y completado por quienes lo sostienen, 60 años después.

Organizar solo la rabia sin proyecto humano ético y emancipador no es feminismo, al menos para nosotras. El feminismo también defiende las alegrías. Y las nuestras, al menos las últimas, una compañera de lucha ayer las recapitulaba: «No creo que sea este el país del caos que algunos intentan pintar, donde las mujeres estamos absolutamente desprotegidas y a nadie le importa que nos maten o nos violen en las esquinas. Conozco el esfuerzo consciente de académicos, activistas, investigadores e instituciones que durante años han visibilizado las múltiples manifestaciones de la violencia de género en Cuba y han exigido soluciones. He escuchado en discursos una vocación gubernamental de legislar sobre el conflicto y generar otras estrategias para enfrentarlo. Lo he visto convertirse en primeros pasos con un Programa Nacional para el Adelanto de las Mujeres que reconoce en el enfrentamiento y la prevención de la violencia una prioridad, en una Línea 103 y otras alternativas -muy pequeñas todavía- de acompañamiento a víctimas, en una Estrategia Integral que articula prevención y enfrentamiento a través de ejes diversos, en una transversalización de la perspectiva de género al nuevo Código de las Familias, al nuevo Código de Procesos, a la Ley Penal por llegar. Que queda mucho por hacer, por supuesto. Que hace falta una Ley, también. Pero ignorar todos esos esfuerzos es ver una nación sin matices, en blanco y negro».

Tenemos una certeza, que aún falta muchísimo. Nuestra sociedad y sus estructuras continúan siendo profundamente patriarcales. El machismo como antivalor inaceptable para el socialismo aún no se normaliza en toda la amplitud de nuestras filas, y ¡no se puede ser revolucionario a la mitad!, comentaba ayer unx compañerx.

La violencia machista es también violencia política, y nuestro compromiso deberá ser siempre el de reivindicar la tolerancia cero contra ella, y cualquier forma sistémica de discriminación.

Estamos más que nunca convencidas de que esa consigna que grita y educa: ¡Sin feminismo, NO hay socialismo posible!

Tomado de: La Tizza

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Woody Allen siempre neurótico e iluminado

1 enero, 2022 admin
La otra mirada
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Woody Allen, cineasta estadounidense Foto: Universo la Maga

Por Mauricio Escuela @MauricioEscuela

Woody Allen es un autor de piezas literarias que caen en las manos de los productores para convertirse en filmes. La presencia de los temas clásicos de connotaciones mitológicas transforma a este genio en una figura fuera de una época liviana que se distingue por la banalidad, la hipocresía moral y la cancelación de discursos trascendentes. Esta alusión al carácter puramente textual de las películas de Allen ha sido descrita por la crítica como un defecto a la vez que una virtud. El creador no halla otra forma de expresarse que mediante elucubraciones filosóficas en las cuales lo autobiográfico y el cuestionamiento irónico son las marcas de un trasfondo serio, el de la obra de arte concebida para una eternidad y no como un mero objeto comercial.

Tan fuera de época está Woody que no comprende que el tema del genio —muy cercano al del héroe— cede espacio en las cadenas de los grandes medios y en las academias y redes sociales ante la permanencia del hombre masa, tal y como lo describió Ortega y Gasset. Es que el cineasta pertenece a los días de radio, así lo dijo en uno de sus filmes más memorables, tiempos en los cuales lo común era desarrollar la imaginación junto a un aparato sugerente, especie de teatro invisible que irrumpía en medio de la soledad humana. Allen pertenece al New York ya perdido de la cultura judía y la erudición, esa ciudad intelectual que hunde sus raíces en el cosmopolitismo y la libertad de poder criticar cualquier cosa. Entonces era lícito abordar diversos discursos a través del pastiche paródico. En el filme Love and Death —homenaje y a la vez burla de La Guerra y la Paz de Tolstoi— un atribulado Woody encarna a un ruso que recita pasajes de Spinoza de memoria, intenta asesinar a Napoleón y termina siendo fusilado a pesar de las manifestaciones de Dios, quien le prometió que viviría. Este nivel de desacralización de todo lo sagrado y de todo lo inmanente e intocable, define la iconoclasia del artista, siempre presto a destronar paradigmas. Una cualidad que solo se podía desarrollar a través de la más amplia libertad, desde el desprejuicio, la destrucción de dogmas y el abordaje de temas espinosos. En un mismo filme, Woody se burla de la escolástica, de la ilustración y de la modernidad.

El tema del genio nos acompaña desde lo antiguo. Según queda constatado en la tragedia griega y en los estudios de Aristóteles al respecto, debe haber un equilibrio entre lo divino y lo humano para que se mantenga la presencia de este semidiós, de lo contrario se produce la caída. Este sentido dramático, en su más extensa acepción, abarca casi todo el arte, siendo central en las piezas de Shakespeare por ejemplo —Hamlet deberá atenerse a un equilibro entre lo sobrehumano encarnado por la voluntad del fantasma de su padre y las exigencias mundanales de la carne que representa la bella Ofelia; Romeo y Julieta viven la tensión que se establece entre su amor jurado como eterno ante Dios y las miserias cotidianas de las dos familias enfrentadas. La gran trama universal se nutre de ese nudo a punto de romperse que también da vida a la obra de Woody. Solo que, en el caso del cineasta, todo acontece de manera paródica y el antihéroe se burla de sí mismo y busca una vía no convencional para evitar la caída o para salir de la peripecia que lo lanza temporalmente al abismo.

El antihéroe armoniza una postura posmoderna ante el tema del genio. En realidad, la propia vida de Woody se pudiera remarcar en la tensión surgida entre el cine —visto como arte inmortal— y los fugaces amores del artista, que a menudo sirven de combustible, de materia para el proceso creativo. Se sabe que el romance con Diane Keaton dio paso Annie Hall, considerada como de las mejores comedias en la historia. El antihéroe quiso erotizar sus fracasos con las mujeres, dándole mediante el arte una salida triunfal, conducente a un éxito raro y casi efímero. Ese aire de perdedor que anega los filmes, que abarrota los diálogos, en realidad se refiere a la neurosis de quien busca un aliento nuevo para viejos dilemas existenciales. ¿Cuánto hay de divino en la derrota y de humano y transitorio en la victoria? Casi todos los personajes de Woody se debaten en una especie de teatro, mediante monólogos consigo mismos, se distancian de la escena, la miran con cariz crítico, dictan juicios que jamás son concluyentes. Quien espere una tesis acabada, un dogma que siente cátedra, estará equivocado de autor. En La rueda de la maravilla, Ginny es una mujer a punto de cumplir 40 años, que se mueve entre su anhelo de ser actriz y su día a día como mesera de un restaurante en una feria de diversiones. La llegada de un joven apuesto trastoca su vida y la lleva a ser cómplice de un asesinato, pues quedó roto el equilibrio y sobrevino la caída, la tragedia, el tema del genio cuya naturaleza intensa lleva a los excesos. La cólera de Ginny la deshace, la conduce a un final precipitado en el cual pierde todo. Cada paso deforma el carácter antes apacible y va hacia un punto distinto, una geografía dramática, grotesca. Pareciera que Woody nos advierte que el exceso es inevitable y también el descenso a los avernos y las oquedades de la existencia, en las cuales se disuelven las cualidades humanas y se adquiere otra naturaleza.

Se ha dicho que al cineasta hay que cancelarlo, mediante determinados prejuicios y acusaciones que hasta el momento carecen de sustentación judicial. En realidad, pesa —sobre la obra de este hombre— la mediocridad de un tiempo como el de ahora, en el cual se juzga hipócritamente y se tacha a quien brilla, se le niega la entrada y se le hunde en la ignominia. Woody Allen no es Roman Polanski, ni su caso tiene verificación factual alguna sobre la que concluir una tesis y de allí una condena en firme. Pudiera decirse que, como ser concreto posee defectos, pero no suficientes para silenciar un discurso potente y que enfoca cuestiones medulares que nos mueven hacia el pensamiento y la visión trágica. En verdad hay en este tema lo mismo que en todo lo demás: el antihéroe se manifiesta tenso entre la fama y la vida privada como los polos de un ser único, hecho para la disquisición filosófica y no para el cotorreo farfullante de los medios. A Woody se le quiere imponer la banalidad, la censura que nada aporta y eso tiene un efecto colateral y pernicioso hacia la creación. La represión paraliza, mata el eros del artista, impone la pulsión de muerte y da paso al mediocre.

Woody Allen es un autor textual, que hilvana discursos literarios. Se distancia de otros cineastas “de raza” como Martin Scorsese. En un film colectivo donde ambos coincidieron, el primero improvisó y dejó libres a los productores, mientras que el segundo planificaba milimétricamente. El arte del caos define la esencia de las escenas, como esa famosa en la cual una señora mayor desde los cielos de New York persigue al antihéroe y lo trata como su bebé malcriado. El espectáculo risible ocurre delante de todos, poniendo en tela de juicio ideas en torno a lo privado, la familia, lo moral y la educación. Solo alguien con el tono genial de Woody podría lidiar con una tesis estética así. Sustentar el cine no solo es hacerlo, sino plasmarlo desde el guion, desde la literalidad.

Dijo Kant que el genio está relacionado con lo noúmeno, o sea, aquella razón a la cual no se accede, sino que queda oculta más allá de la experiencia humana. No se puede conocer el intríngulis que define esa naturaleza que se halla por fuera de lo común y que parece exorbitante, excesiva y a veces sin equilibrio. Pensar en el matiz neurótico de Woody y sus obras nos conduce a un estadío de conciencia en el cual lo inaccesible se muestra, surge ante el espectador en forma de parodia. El genio, un antihéroe, evita la racionalidad porque sus acciones no se mueven por ese camino. Incluso, si bien los juicios son equilibrados, hay una tensión entre el deber ser y el ser que rompe cualquier conformismo con el discurso imperante y recrea una posible nueva realidad. En El hombre irracional, el protagonista es un profesor de filosofía que se siente vacío y que asesina a un juez para hallar una causa heroica que le dé sentido. En este caso, la transformación del hombre masa en el héroe lo condena, lo aparta y lo reduce. ¿Puede leerse en esta clave la propia vida —dramas acusatorios incluidos— de Woody? El eros y la muerte en los extremos del camino del genio marcan una caída estrepitosa pero bella, que hace las maravillas de un cine jamás superficial.

El sentido trágico impone estas lógicas: el ascenso como búsqueda y la caída como hallazgo. La vida en los extremos hace que el punto medio sea casi imposible de alcanzar. El desmesurado placer de Woody Allen está en esa soga a poco de romperse y que, sin embargo, nos causa una sonrisa. El genio no transita comercialmente por los escenarios, sino que debe hacerlo desde la visceralidad, la contradicción y el entramado de la existencia humana. No se puede renunciar a un episodio tan auténtico y explícito. Habrá que encontrar al artista más allá del marasmo, al genio luego de la caída, al creador en medio de la destrucción. El cineasta queda, por ahora, en un escenario de fama y ruidos, de brillantez y oscuridades. Allí está —siempre neurótico— iluminado por un foco que lo reduce y lo resalta, en ese tenso devenir entre lo humano y lo trascendente.

Tomado de: La Jiribilla

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Paso de la palabra. Tres maestras del silencio

1 enero, 2022 admin
La otra mirada
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La actriz estadounidense Holly Hunter en el filme El piano (1993) de Jane Campion

Por Mar Gallego

Lo que no se nombra ¿no existe? o ¿existe sin ser reconocido? Si el lenguaje es esa conexión con el mundo de los significados, ¿qué ocurre cuando una persona decide interrumpir ese canal de conexión interpersonal?

Justo esto es lo que hace Elizabeth Vogler, la protagonista de la película Persona (1966), escrita y dirigida por Ingmar Bergman, una reconocidísima actriz de teatro que, en medio de una actuación y tras haber dado a luz a su primer hijo, permaneció en silencio sobre las tablas para luego excusarse argumentando que le entró una risa espantosa. Tras el incidente, Vogler —interpretada por Liv Ullman— volvió a su casa, se quitó el maquillaje, cenó con su esposo y se fue a la cama. A la mañana siguiente, ya no quería articular palabra.

Tras tres meses de mudez elegida, ingresa en un psiquiátrico. Allí, la especialista que lleva su caso comenta: “¿Crees que no lo entiendo? El absurdo sueño de ser […]. Y al mismo tiempo, el abismo entre lo que eres ante los demás y lo que eres ante ti misma […]. El papel de esposa, el papel de colega, el papel de madre, el papel de amante, ¿cuál de ellos es el peor? ¿Cuál te ha causado más tormento?”.

A Vogler fue el papel de madre el que la destrozó. Después de conocer que estaba embarazada, descubre que no quiere encarnar ese rol. El tabú del aborto no se lo pone fácil. Tampoco los halagos que recibe de su entorno, que le transmiten la idea de que la maternidad la completa como mujer.

La imposibilidad de romper con esas cadenas y trampas de reconocimiento que conforman las palabras, la lleva a la decisión de —al menos— no reproducir con su cuerpo la maquinaria. La protagonista reconoce que el lenguaje duele y lastima, y que el guion que lo conforma es mucho más viejo que ella misma. Guion, palabras y roles van de la mano. ¿Cuándo sabes si tu decisión es libre cuando el libreto está por todas partes?

El Piano (1993), escrita y dirigida por Jane Campion, aborda también, en parte, esta cuestión. Su personaje protagonista, Ada, interpretado por Holly Hunter, es una mujer peculiar que detecta este proceso de conformación de las identidades femeninas hegemónicas mucho antes que Elizabeth. Siendo solo una niña nos cuenta: “La voz que están oyendo no sale de mi boca. Es la voz de mi mente. No he hablado desde que tenía seis años. Nadie sabe por qué, ni siquiera yo […]. Hoy mi padre me ha casado con un hombre al que todavía no conozco. Pronto mi hija y yo iremos a su país para reunirnos con él. Mi marido dice que mi mudez no le preocupa […]. Bueno sería que tuviera la paciencia de Dios, pues el silencio acaba afectando a todo el mundo”.

En el caso de Ada, el papel contra el que se rebela es el de esposa. Sin embargo, Ada sí parece haber encontrado un lenguaje propio: el de la música que fabrica con su piano aunque, a pesar de ello, la potencia de su sensibilidad no pueda ser leída por el resto. El miedo a lo desconocido la convierte en una criatura extraña para su entorno. Según las mujeres que habitan la misma casa, “que el sonido se meta así dentro de ti no es nada agradable”. Mejor hablar que sostener los vacíos.

Excéntrica, rara, loca… son algunos de los calificativos que Ada recibe por sumergirse en sus profundidades y alejarse del lenguaje como única forma de acceder a la verdad. Su libertad antidiscursiva hace que el sistema la coloque en la periferia de la condición humana que la tilda de salvaje.

Algo parecido le pasa a Nell, la prota de la película que lleva el mismo nombre, dirigida por Michael Apted con guion de William Nicholson. Nell es reducida a una condición de menor de edad por habitar un lenguaje diferente al del resto.

Interpretada por Jodie Foster, el personaje ha vivido desde su niñez en medio de un bosque. Apenas ha tenido presencia humana y, cuando la tiene, se relaciona a través del contacto físico, de rituales y de un lenguaje sencillo e inventado. Nell se va sumergiendo poco a poco en la experiencia del lenguaje occidental, un lenguaje que desprecia su mundo conectado. Así lo afirma ella ante un jurado, cuando decide romper el silencio mantenido durante días: “Tenéis grandes cosas, sabéis grandes cosas, pero no os miráis a los ojos y estáis sedientos de paz”.

Sin embargo, su rareza aporta y sana a las personas que inician una relación cercana con ella. La sencillez de su lenguaje particular abre la puerta a un mundo menos triste que el habitado por mujeres como Paula —otro de los personajes—, que afirma estar atrapada en guiones dolorosos que tienden a retornar: “¿Sabes qué me da rabia? Que estamos todos como pillados en esos círculos que se repiten sin cesar”.

Susan Sontag en su Estética del silencio invitó a reflexionar sobre qué querían decirnos aquellos mundos que no tenemos en consideración porque aún no hemos sido capaces de descifrar. Detrás de las invocaciones al silencio, según la pensadora, “se oculta el anhelo de renovación sensorial y cultural”. En la obra, la autora afirmó: “Tal como algunas personas ya saben, hay maneras de pensar que aún no conocemos. Nada podría ser más importante o precioso que dicho conocimiento, todavía nonato”.

En las prácticas feministas hegemónicas tenemos claro que lo que no se nombra no existe, pero olvidamos a veces poner en jaque las estructuras desde las que nombramos. ¿Cómo construiremos esa renovación sensorial de la que hablaba Sontag sin poner en cuarentena la palabra como herramienta central de nuestras reivindicaciones?

Mar Gallego es autora del ensayo Dueñas de su silencio. El silencio como poder y resistencia a la identidad femenina en la temática fílmica (Instituto de Estudios Almerienses, Nº 27, 2004).

Tomado de: Pikara Magazine

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Autopsias Semióticas

1 enero, 2022 admin
La otra mirada
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Foto: Hipertextual

Por Fernando Buen Abad Domínguez @FBuenAbad

(sobre las Mercancías Fílmicas)

También las tácticas y estrategias narrativas del cine fallecen, aunque una industria voraz, infestada por intereses mercantiles e ideologías chatarra, se empeñe en mantener a sus “muertos” semióticos como la leyenda de un “Mío Cid” cabalgando las estepas del mercado audiovisual. Y sus muertos no gozan de “buena salud”. Esos “muertos” semióticos pueden provenir de fallecimiento reciente o añejo, en 126 años de historia. (28 de diciembre de 1895 – 28 de diciembre de 2001) Veamos.

Entre las causas de muerte están los estereotipos narrativos desplegados en movimientos de cámara repetitivos, musicalizaciones sensibleras, gesticulaciones y poses mezcladas con la lógica de la secuencialidad rutinaria, los planos y contra-planos simplones y la pobreza argumental en los guiones, “scrips” o libretos… intoxicados por maniqueísmos, mojigaterías y moralismos doctrinarios, pergeñados desde la ideología de la clase dominante que hizo del cine, también, una máquina de guerra ideológica disfrazada de “entretenimiento”. Cadáveres discursivos que contrastan su entidad funeraria con las realidades humanas cada día más vivas, complejas y marcadas por la lucha de clases que, pertinazmente, en el cine se in-visibilizan por razones de renta y desmoralización inducida. En más de un sentido esto es parte de la lógica y la retórica de la “posverdad”. Sin atenuantes.

No falta un conservadurismo pelele que se empeña en llamar “clásicos” a sus refritos fílmicos. A fuerza de imponer su modo de interpretar (enmascarar) la realidad y “divertir” a los pueblos con una farándula banal, ególatra y cipayo de los intereses hegemónicos industriales cinematográficos. Demasiados jóvenes realizadores han sido ya colonizados por el facilísimo del éxito repetitivo. Y sus profesores se vanaglorian y les aplauden. Y entregan premios de todo tipo demagógico.

No se niega la audacia y la (ocasional) fuerza seductora de algunos casos que hicieron historia en una industria rabiosamente monopolizada y frente a la que, durante mucho tiempo, no ha habido posibilidad real de comparación o competencia porque, entre muchas causas, fue impedido el desarrollo de otras industrias y otros modos de producción, distintos y distantes de las fórmulas del “éxito” hegemónico de los monopolios fílmicos, tanto como de los monopolios publicitarios y los monopolios de distribución. Ellos sólo admiten la “creatividad” que es capaz de vender más (y mucho) de lo mismo.

Con el paso de las décadas, algunas realizaciones fílmicas lograron exhibir lo distinto en la narrativa fílmica, que fue impulsado por la fuerza natural de las diversidades culturales, socioeconómicas y estéticas; y por intereses no subordinados, exclusivamente, por las “taquillas”. Y entonces, hemos podido experimentar la narrativa distinta generada por pensamientos, sensibilidades y emociones irreductibles al efectismo simplón de los clichés “exitosos”: balaceras, trompadas, vociferaciones, desnudez, histrionismo repetitivo y cursilería melódica a todo pentagrama. Bálsamos fílmicos que son los menos.

Es indispensable una rigurosidad crítica de nuevo género que detecte, con autocrítica, hasta dónde la crítica que conocemos, incluso la más “independiente”, ha sido contaminada por los baluartes del estereotipo narrativo dominante. Su ética y su estética. Aunque el poder mercantil, que secuestró al cine, llame a su panteón “superproducciones” estamos llamados a reconfigurar instrumentos científicos para una crítica de nuevo tipo que, en simultáneo, enriquezca la autocrítica y sirva para producir, en tiempo real, dictámenes sobre el carácter complejo del cine que nunca ha sido una diversión inocente.

Así será desactualizado, desacralizado, el panteón fílmico dominante y dejará de ser, para bien de todos, el fardo obligatorio que cargan los estudiantes de cine en todas sus especialidades. Basta ya de planos obsecuencia, de diálogos previsibles y simplistas. Basta de iluminación decorativa y de escenografías, vestuarios y maquillajes serviles del culto a la personalidad y el fanatismo de “star sistem”. Basta de narrativas disecadas. Basta del espectáculo exhibicionista que manosea dramas personales descontextualizándolos. Basta de soldaditos heroicos y gánsteres filantrópicos que aman a sus familias y odian a su clase. Basta de historias legalistas en un “mundo perfecto” donde su idea del bien prima sólo para los ricos y para los blancos. Basta de la retahíla audiovisual imperial que se rinde culto a sí misma imponiéndonos su bandera, literalmente, hasta en las escenas más aparentemente inocuas. Urge aniquilar el esnobismo y la suntuosidad con que se parlotea de cine haciendo pasar por hondura teórica cualquier paparruchada ideológica tan estereotipada como el objeto del pretendido “análisis”.

Pero será imposible profundizar la crítica contra el arsenal simbólico de la industria fílmica, sin un reposicionamiento epistemológico con instrumentales multidisciplinarios de estudio crítico y autocrítico, en “tiempo real”. Será superflua y efímera toda iniciativa crítica a fondo sin redefinir, con marcos históricos-económicos, éticos y estéticos correctos. Sin consolidar un método semiótico emancipador, capaz de enfrentar al rol alienante de una maquinaria de significación que transita y habita, cómodamente, bajo la sombra de cierto “sentido común” que lo hace parte del entretenimiento o el esparcimiento inicuos e inocuos.

Eso no se logrará con (sólo) uno o varios cursos teóricos reducidos a una cuántas semanas de claustro académico, es preciso ascender a una práctica científica política, militante de la verdad contra el ilusionismo hegemónico que invierte fortunas en sus armas de guerra ideológica mientras muchos de nosotros seguimos empantanados en juicios de “gusto”, tecnológicos o aritméticos de taquilla. El “séptimo arte”, la “fábrica de sueños”, la “magia fílmica”… y su “valor” museístico reverencial.

Han muerto muchas de las instituciones simbólicas burguesas, aunque las hermoseen los taxidermistas sabiondos. Es preciso ventilar las habitaciones para disparar los hedores de una morgue cinematográfica que sigue repitiendo y repartiendo su relato mortuorio como discurso fílmico embalsamado y único mientras un mundo lucha, denodadamente, por liberar sus fortalezas expresivas de las morgues semánticas y de los clichés de pantalla. Y si alguien piensa que aquí se exagera, habrá que desplegar investigaciones profundas para que, con una ciencia semiótica emancipadora, se demuestre que la exageración verdadera ha sido infestar al planeta con el modo de producción fílmica estereotipada y sus relaciones de producción cinematográfica esclavistas. Semiótica emancipadora para hacer y mirar el cine de otros modos. Por un nuevo orden cinematográfico mundial. Un solo mundo, muchas películas, diversas.

Tomado de: Cubaperiodistas

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21 películas de Belmondo y más, en la Cinemateca de Cuba

1 enero, 2022 admin
El baúl
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Jean-Paul Belmondo, actor francés (1933-2021)

Por Antonio Mazón Robau @CinematecaCuba

¡Bienvenidos a los programas de la Cinemateca de Cuba!

Estimados espectadores: El programa central de este mes es la continuación del ciclo que estamos realizando desde el pasado mes de diciembre en homenaje al actor francés Jean-Paul Belmondo. En esta oportunidad les presentamos veintiuna películas, de las cuales tres constituyen estrenos en Cuba y cinco se exhiben por vez primera en Cinemateca. Este reconocimiento al popular intérprete galo concluirá en febrero.

El otro evento que tiene lugar en este mes es ya tradicional en la programación de la Cinemateca del mes de enero: la celebración del «Día Mundial de Los Beatles». Para recordarlos se proyectarán, con carácter de estreno nacional, la película Sargento Pepper, con los inolvidables temas de este álbum interpretados por los Bee Gees y Peter Frampton, secundados por Aerosmith, Alice Cooper y otros músicos, y el documental Cómo se hizo Sgt. Pepper. Tal como es habitual en nuestras funciones, los títulos a exhibir serán acompañados de ediciones restauradas del Noticiero ICAIC Latinoamericano

Por su parte la Cinemateca para niños y jóvenes les mostrará un nuevo segmento de los gustados animados de Walt Disney, que serán exhibidos en español, y un grupo de filmes de aventuras que serán apreciados del mismo modo.

Para finalizar, queríamos informarles que en la Sala Charlot del cine Charles Chaplin se ha programado la segunda parte del homenaje que nuestra institución rinde a aquellas personalidades del panorama cinematográfico nacional e internacional que fallecieron el pasado año 2021.

¡Los esperamos!

CINE 23 Y 12

HOMENAJE AL ACTOR JEAN-PAUL BELMONDO (II)

Sábado 1

5:00 p.m.: CIEN MIL DÓLARES AL SOL (100 000 dollars au soleil, 1964)/ Henri Verneuil – Noticiero ICAIC Latinoamericano 503

Domingo 2

5:00 p.m.: A ESCAPE LIBRE (Échappement libre, 1964) / Jean Becker Noticiero ICAIC Latinoamericano 504

Miércoles 5

5:00 p.m.: FIN DE SEMANA EN DUNKERQUE (Week-end a Zuydcoote, 1964) / Henri Verneuil – Noticiero ICAIC Latinoamericano 505

Jueves 6

5:00 p.m.: SECUESTRO BAJO EL SOL (Par un beau matin d’été – Rapina al sole, 1965) – Noticiero ICAIC Latinoamericano  506

Viernes 7

5:00 p.m.: PEDRITO EL LOCO (Pierrot le fou, 1965) / Jean-Luc Godard. Noticiero ICAIC Latinoamericano 507

Sábado 8

5:00 p.m.:  ¿ARDE PARÍS? (Paris brûle-t-il? – Is Paris Burning? 1966) / René Clément

Domingo 9

5:00 p.m.: EL LADRÓN DE PARÍS (Le voleur, 1967) / Louis Malle. Noticiero ICAIC Latinoamericano 508

Miércoles 12

5:00 p.m.: CASINO ROYALE (1967) / John Huston, Ken Hughes, Robert Parrish, Joe McGrath, Val Guest. Noticiero ICAIC Latinoamericano 509

Jueves 13

5:00 p.m.: – HO! (1968) / Robert Enrico. Noticiero ICAIC Latinoamericano 510

Viernes 14

5:00 p.m.: EL CEREBRO  (Le cerveau, 1969) / Gérard Oury. Noticiero ICAIC Latinoamericano 511

Sábado 15

5:00 p.m.: LOS NOVIOS DEL AÑO II (Les mariés de l’an deux, 1971) / Jean-Paul Rappeneau. Noticiero ICAIC Latinoamericano 512

Domingo 16

5:00 p.m.: DÍA MUNDIAL DE LOS BEATLES:

ESTRENO DEL FILME SARGENTO PEPPER (Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, 1978) / Michael Schultz Y DEL DOCUMENTAL COMO SE HIZO SGT. PEPPER (The Making of Sgt. Pepper, 1992-97) / Alan Benson

Miércoles 19

5:00 p.m.: BORSALINO (1970) / Jacques Deray. Noticiero ICAIC Latinoamericano 513

Jueves 20

5:00 p.m. EL CLAN DE LOS MARSELLESES (La scoumoune, 1972) / José Giovanni. Noticiero ICAIC Latinoamericano 514

Viernes 21

5:00 p.m.: EL HEREDERO (L’héritier, 1973) / Philippe Labro. Noticiero ICAIC Latinoamericano 515

Sábado 22

5:00 p.m.: EL MAGNÍFICO (Le magnifique, 1973) / Philippe de Broca. Noticiero ICAIC Latinoamericano  516

Domingo 23

5:00 p.m.: STAVISKY. (1974) / Alain Resnais. Noticiero ICAIC Latinoamericano  517

Miércoles 26

5:00 p.m.: MIEDO DOBRE LA CIUDAD (Peur sur la ville, 1975) / Henri Verneuil. Noticiero ICAIC Latinoamericano  518

Jueves 27

5:00 p.m.: EL CAZADOR (L’alpagueur, 1976) / Philippe Labro. Noticiero ICAIC Latinoamericano 509

Viernes 28

5:00 p.m.: EL CUERPO DE MI ENEMIGO (Le corps de mon ennemi, 1976) / Henri Verneuil. Noticiero ICAIC Latinoamericano 503

Sábado 29

5:00 p.m.: EL REY DEL TIMO (Le guignolo, 1980)  / Georges Lautner. Noticiero ICAIC Latinoamericano 504

Domingo 30

5:00 p.m.: EL PROFESIONAL (Le professionnel, 1981) / Georges Lautner. Noticiero ICAIC Latinoamericano 505

CINEMATECA PARA NIÑOS Y JÓVENES

CLÁSICOS DE WALT DISNEY EN ALTA DEFINICIÓN Y EN ESPAÑOL (III)

Sábado 1

1:00 p.m.: EL REY LEÓN (1994)

Domingo 2

1:00 p.m.: LA SIRENITA

Sábado 8

1:00 p.m.: EL REY LEÓN (2019)

Domingo 9

1:00 p.m.: LA BELLA DURMIENTE

FILMES DE AVENTURAS EN ESPAÑOL (II)

Sábado 15

1:00 p.m.: EL ZORRO (1975)

Domingo 16

1:00 p.m.: LA MARCA DEL ZORRO (1940)

Sábado 22

1:00 p.m.: LOS CABALLEROS DE LA MESA REDONDA

Domingo 23

1:00 p.m.: HÉRCULES

Sábado 29

1:00 p.m.: LA GUERRA DE LOS BOTONES (2011)

Domingo 30

1:00 p.m.: EL TULIPÁN NEGRO

CINE CHARLES CHAPLIN, SALA CHARLOT

IN MEMORIAM: HOMENAJE A PERSONALIDADES FALLECIDAS EN 2021 (II)

Sábado 1

2:30 p.m.: SOMBRAS Y LUCES (100 AÑOS DE CINE ESPAÑOL)

5:00 p.m.: ¿QUIÉN LE TEME A VIRGINIA WOOLF?

Domingo 2

2:30 p.m.: RONDA DE MEDIANOCHE

5:00 p.m.: MAD MAX, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO

Miércoles 5

2:30 p.m.: EL GRUPO

5:00 p.m.: KING KONG (1976)

Jueves 6

2:30 p.m.: EL VESTIDO

5:00 p.m.: 1941

Viernes 7

2:30 p.m.: CAUTIVOS DEL AMOR

5:00 p.m.: EL EXPRESO DE VON RYAN

Sábado 8

2:30 p.m.: LA PROFECÍA

5:00 p.m.: NADIE HABLARÁ DE NOSOTRAS CUANDO HAYAMOS MUERTO

Domingo 9

2:30 p.m.: FRENCH CANCAN

5:00 p.m.: PACTO SINIESTRO

Miércoles 12

2:30 p.m.: ESTHER EN ALGUNA PARTE

5:00 p.m.: LOS PARAGUAS DE CHERBURGO

Jueves 13

2:30 p.m.: BODA REAL

5:00 p.m.: LA CASA DE BERNARDA ALBA

Viernes 14:

2:30 p.m.: CIPAYOS (LA TERCERA INVASIÓN)

5:00 p.m.: CANOA

Sábado 15

2:30 p.m.: UN PERRO LLAMADO DOLOR

5:00 p.m.: LOS SILENCIOS DEL PALACIO

Domingo 16

2:30 p.m.: ¿QUIÉN LE TEME A VIRGINIA WOOLF?

5:00 p.m.: SOMBRAS Y LUCES (100 AÑOS DE CINE ESPAÑOL)

Miércoles 19

2:30 p.m.: MAD MAX, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO

5:00 p.m.: RONDA DE MEDIANOCHE

Jueves 20

2:30 p.m.: KING KONG (1976)

5:00 p.m.: EL GRUPO

Viernes 21

2:30 p.m.: 1941

5:00 p.m.: EL VESTIDO

Sábado 22

2:30 p.m.: EL EXPRESO DE VON RYAN

5:00 p.m.: CAUTIVOS DEL AMOR

Domingo 23

2:30 p.m.: NADIE HABLARÁ DE NOSOTRAS CUANDO HAYAMOS MUERTO

5:00 p.m.: LA PROFECÍA

Miércoles 26

2:30 p.m.: PACTO SINIESTRO

5:00 p.m.: FRENCH CANCAN

Jueves 27

2:30 p.m.: LOS PARAGUAS DE CHERBURGO

5:00 p.m.: ESTHER EN ALGUNA PARTE

Viernes 28

2:30 p.m.: LA CASA DE BERNARDA ALBA

5:00 p.m.: BODA REAL

Sábado 29

2:30 p.m.: CANOA

5:00 p.m.: CIPAYOS  (LA TERCERA INVASIÓN)

Domingo 30

2:30 p.m.: LOS SILENCIOS DEL PALACIO

5:00 p.m.: UN PERRO LLAMADO DOLOR

HOMENAJE AL ACTOR JEAN-PAUL BELMONDO (II)

CIEN MIL DÓLARES AL SOL / 100 000 dollars au soleil / Henri Verneuil (120’) Francia-Italia, 1964 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Lino Ventura, Reginald Kernan, Bernard Blier, Gert Froebe. Blanco y Negro. Marruecos, 1963. El propietario francés de una empresa de transportes contrata a un nuevo conductor para transportar un misterioso cargamento en un magnífico camión recién comprado. Uno de los empleados roba el vehículo, y el mejor chófer de la compañía y el recién contratado vivirán una auténtica odisea persiguiendo al ladrón a través del desierto. Una entretenida cinta de aventuras y humor basada en la novela de Claude Veillot Nous n’irons pas en Nigeria.

A ESCAPE LIBRE / Échappement libre / Jean Becker (94’) Francia-España-Italia-RFA, 1964  / doblada al español / Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Enrico Maria Salerno, Diana Lorys, Fernando Rey, Gert Frobe. Blanco y Negro. David está habituado a ganar, de vez en cuando, algún dinero haciendo contrabando de diamantes y otros objetos fáciles de ocultar. Sin embargo, la operación en la que se ha metido ahora es mucho más peligrosa: debe introducir en el Líbano un cargamento de oro. Esta aventura le ofrece dos alicientes: la enorme suma de dinero que cobrará si el plan sale bien, y la bella mujer que le ayudará a llevarlo a cabo… Estreno en Cuba.

FÍN DE SEMANA EN DUNKERQUE  / Week-end a Zuydcoote / Henri Verneuil (118’) Francia-Italia, 1964 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Catherine Spaak, Georges Geret, Jean-Pierre Marielle, Pierre Mondy, François Perier. Colores. 1 de junio de 1940. En las playas de Dunkerque, que han sido arrasadas por los bombardeos alemanes, miles de soldados franceses e ingleses esperan partir para Inglaterra. Entre ellos se encuentra el sargento Maillat y sus camaradas… Según la novela de Robert Merle.

SECUESTRO BAJO EL SOL / Par un beau matin d’été – Rapina al sole / Jacques Deray (104’) Italia-Francia-España, 1965 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Sophie Daumier, Gabriele Ferzetti, Adolfo Celi, Analia Gadé. Blanco y Negro. Francis y su hermana Monique son dos estafadores que viven en la Costa Azul. Pero una noche las cosas no salen como habían planeado y el presunto estafado resulta ser un delincuente que necesita un compinche para llevar a cabo el secuestro de la hija de un millonario… Debut de la conocida actriz Geraldine Chaplin. Basada en la novela de James Hadley Chase Par un beau matin d’été. Estreno en Cuba.

PEDRITO EL LOCO / Pierrot le fou / Jean-Luc Godard (100’) Francia-Italia, 1965 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Dirk Sanders, Raymond Devos. Colores.  Ferdinand atraviesa una grave crisis vital y abandona a su mujer. En su camino reencuentra a una chica que amó, vinculada a una banda de gánsteres… Audaz filme en el que el gran Godard retoma el esquema narrativo de su película A bout de souffle para incursionar en sus constantes personales, eludiendo una narración de tipo convencional.

¿ARDE PARÍS? / Paris brûle-t-il? – Is Paris Burning? / René Clément (161’)  Francia-Reino Unido, 1966 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Charles Boyer, Leslie Caron, Jean-Pierre Cassel, Claude Dauphin, Alain Delon, Kirk Douglas, Glenn Ford, Gert Froebe, Daniel Gelin, Yves Montand, Anthony Perkins, Simone Signoret, Robert Stack, Orson Welles. Blanco y Negro – Colores. Este pormenorizado y espectacular recuento de la ocupación alemana de París durante la Segunda Guerra Mundial y del decisivo papel que jugó la Resistencia en la liberación de la Ciudad Luz contó con un excepcional reparto de actores franceses, norteamericanos y alemanes. Guion de Gore Vidal y Francis Ford Coppola a partir del famosísimo best seller homónimo de Larry Collins y Dominique Lapierre.

EL LADRÓN DE PARÍS / Le voleur / Louis Malle (116’) Francia, 1967 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Geneviève Bujold, Charles Denner, Marie Dubois, Françoise Fabian, Marlene Jobert. Colores. Francia, 1880. Georges Randal, un apuesto joven muy seguro de sí mismo, ladrón de oficio, es despojado por su tío de su fortuna y de su novia Charlotte. Muy pronto va a encontrar un inesperado y extraño cómplice, aprende la profesión a pasos agigantados y todo ello le permitirá tomar venganza… Interesante filme del recordado director Malle con Belmondo en plena forma, en un singular papel. Basado en una novela de Georges Darien.

CASINO ROYALE / John Huston, Ken Hughes, Robert Parrish, Joe McGrath, Val Guest (131’) Reino Unido, 1967 / s.t. españoles / Peter Sellers, Ursula Andress, David Niven, Orson Welles, Woody Allen, Deborah Kerr,  William Holden, Charles Boyer, John Huston, George Raft, Jean-Paul Belmondo, Jacqueline Bisset.  Colores. «Gigantesca superproducción que satiriza el mito de James Bond, entonces en su mejor momento, con tanta agudeza como irregularidad, sobre todo su vertiente erótica. Divertida en general, la combinación de varios directores acaba prestándole cierta incoherencia estilística…» (Carlos Aguilar). Filme sugerido por la novela homónima de Ian Fleming, que conociera una adaptación “seria” hace pocos años, interpretada por el actual Bond, Daniel Craig.

HO! / Robert Enrico (102’) Francia, 1968 /  s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Joanna Shimkus, Raymond Bussières, Stéphane Fey. Colores. François Holin, apodado Ho, está retirado de las carreras de automóviles y se hace chofer de una banda de asaltante de bancos. Poco después de un incidente por el cual es detenido, Ho, coleccionista de corbatas y un individuo temerario, se convierte en el “Enemigo Público número 1 de Francia”… Un filme muy entretenido que despertó mucho interés del público cuando se exhibiera en Cuba.

EL CEREBRO / Le cerveau / Gérard Oury (110’) Francia-Italia, 1969 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Bourvil, David Niven, Eli Wallach. Colores. Un legendario tahúr apodado El Cerebro planea un fantástico robo a un tren en complicidad con mafiosos sicilianos, pero a la vez un ex recluso francés y su compinche tienen un plan con objetivos similares. Todos se dan cita en el objetivo común…Muy divertida comedia con buenas actuaciones.

BORSALINO / Jacques Deray (125’) Francia-Italia, 1970 /  Alain Delon, Jean-Paul Belmondo, Michel Bouquet, Catherine Rouvel, Corinne Marchand. Colores. Marsella, años 30. Dos ladrones de poca monta unen sus fuerzas en diversos negocios: carreras de caballos, peleas y pronto se verán trabajando para los capos de la mafia de la ciudad. Sin embargo, cuando decidan volver a hacer trabajos por su cuenta verán que no es tan sencillo y que su percepción frente al crimen ha comenzado a cambiar. Nominada al Globo de oro a la mejor película extranjera. Estreno en Cinemateca. 

LOS NOVIOS DEL AÑO II / Les mariés de l’an deux / Jean-Paul Rappeneau (94’) Francia-Italia-Rumanía, 1971 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Marlene Jobert, Laura Antonelli, Michel Auclair.  Colores. Formidable filme de aventuras ubicado a fines del siglo XVIII, momento en que el joven Nicolas Philibert, procedente de EE.UU., llega a Francia para localizar a su esposa, con vistas a divorciarse de ella, en medio del caos de la revolución. Original y divertida, esta es una de las mejores películas del ciclo.  Música de Michel Legrand.

EL CLAN DE LOS MARSELLESES / La scoumoune / José Giovanni (101’) Francia-Italia, 1972 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Claudia Cardinale, Michel Constantin, Enrique Lucero. Colores. El carismático Roberto Borgo llega a Marsella en 1934 para liberar a su amigo Xavier Saratov, encarcelado por un asesinato que no cometió; fue Jeannot Villanova, el jefe del hampa marsellesa, quien colocó en su coche un cadáver que fue descubierto por la policía. El plan consiste en acabar con Villanova y conseguir el dinero necesario para la defensa de Xavier…Según la novela L’ Excommunié del realizador Giovanni, adaptada previamente por el  director Jean Becker con el propio Belmondo en el filme Un tal “la Rocca” (1961). Estreno en Cuba.

EL HEREDERO / L’héritier / Philippe Labro (112’) Francia, 1973 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Carla Gravina, Jean Rochefort, Charles Denner. Colores. Bart Cordell, hijo de un importante magnate, ha de hacerse cargo de las empresas de su padre tras la muerte de éste en un fatal accidente de avión. Sin embargo, sucios informes que implican a determinados estamentos le hacen sospechar que detrás del accidente puede que hubiese un crimen… Estreno en Cinemateca.

EL MAGNÍFICO / Le magnifique / Philippe de Broca (94’) Francia-Italia, 1973 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Jacqueline Bisset, Vittorio Caprioli. Colores. El escritor François Merlin acaba de tener muchísimo éxito con su última novela. Ha basado el protagonista de su historia, el espía Bob Saint Claire, en él mismo, su vecina Christine aparece como Tatiana y su editor Charron como el coronel Karpol. El personaje de Saint Claire tiene todas las características que le gustaría tener a Melin: inteligencia, astucia y atractivo físico… Estreno en Cinemateca.

STAVISKY… / Alain Resnais (115’) Francia, 1974 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Charles Boyer, François Périer, Anny Duperey, Claude Rich, Gérard Depardieu. Colores. París, julio de 1933. Serge Alexandre, alias Stavisky, se ocupa de sus múltiples negocios con Borelli, su hombre de confianza, Pierre Grammont, su abogado, Mézy, su médico, y el inspector Boussaud, uno de sus confidentes en la policía, a quien pide que le informe sobre la pesquisa que el cínico inspector Bonny está realizando sobre él. Alexandre no puede resistir a la belleza de ninguna mujer, pero la dueña de su corazón es Arlette, con quien se reúne en Biarritz. Borelli advierte a Alexandre que sus negocios van mal, pero éste le contesta que ha puesto todas sus esperanzas en un nuevo negocio que acaba de crear. Mientras tanto, cuenta conseguir liquidez sirviendo de intermediario en una venta de armas orquestada por Montalvo, el rico pretendiente español de Arlette. Pero a medida que pasan las semanas, su situación se complica cada vez más… Guion de Jorge Semprún.

MIEDO DOBRE LA CIUDAD /  Peur sur la ville / Henri Verneuil (120’) Francia-Italia, 1975 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Charles Denner, Adalberto-Maria Merli, Rosy Varte, Lea Massari. Colores. El comisario jefe Letellier intenta atrapar a un peligroso gánster mientras un misterioso asesino en serie, que firma sus crímenes con el nombre de Minos, siembra el terror entre las mujeres de París… Música de Ennio Morricone. Estreno en Cinemateca.

EL CAZADOR / L’alpagueur / Philippe Labro (96’) Francia, 1976 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Bruno Cremer, Jean Negroni, Patrick Fierry, Jean-Pierre Jorris, Victor Garrivier.  Colores. El cazador es un audaz individuo que trabaja clandestinamente del lado de la ley para luchar contra el crimen y la corrupción. Su presa más importante es muy difícil de atrapar, un asesino apodado El Gavilán que en cada robo mata a los testigos para no ser reconocido… Un filme de acción altamente entretenido.

EL CUERPO DE MI ENEMIGO / Le corps de mon ennemi / Henri Verneuil (117’) Francia, 1976 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Bernard Blier, Marie-France Pisier, Charles Gerard. Colores. Después de pasar siete años en prisión por un crimen que no cometió, François regresa a su hogar en una pequeña ciudad industrial del norte de Francia. Su intención es buscar a quienes le involucraron en este delito y descubrir a los verdaderos culpables. En una ciudad donde todos se conocen y él se ha ganado numerosos enemigos, también descubrirá el amor en la persona de la hija de un rico empresario. Estreno en Cuba.

EL REY DEL TIMO / Le guignolo / Georges Lautner (102’) Francia-Italia, 1980 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Georges Geret, Carla Romanelli, Von Gretchen, Mirella D’Angelo, Pierre Vernier. Colores. Poco después de salir de prisión, el rey internacional del timo Alexandre Dupré se verá implicado a su pesar en una peligrosa aventura. En un vuelo hacia Venecia, un hombre le pide que le guarde su maletín para pasar la aduana. Poco después el hombre es asesinado y Dupré, sin saberlo, será poseedor de la fórmula de un combustible milagroso. A partir de ese momento, todos intentarán matarle sin que él sepa el motivo…

EL PROFESIONAL / Le professionnel / Georges Lautner (109’) Francia, 1981 / s.t. españoles / Jean-Paul Belmondo, Jean Desailly, Robert Hossein, Michel Beaune, Cyrielle Clair.  Colores. Joss Beaumont, agente secreto del servicio francés, es acusado de haber viajado a un pequeño país africano con la intención de matar a su dictador vitalicio, y es condenado a trabajos forzados. Dos años más tarde, Beaumont escapa y vuelve a París, con una idea fija: vengarse de sus superiores…Un thriller basado en una novela de Patrick Alexander.

DÍA MUNDIAL DE LOS BEATLES: ESTRENO DEL FILME SARGENTO PEPPER Y DEL DOCUMENTAL CÓMO SE HIZO SGT. PEPPER

SARGENTO PEPPER / Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band / Michael Schultz (110’) EE.UU., 1978 / s.t. españoles / Los Bee Gees, Peter Frampton, Earth, Wind & Fire, Aerosmith, Alice Cooper, George Burns, Frankie Howerd. Colores. Billy Shears, quien conoce a la banda Lonely Hearts Club Band, es nieto del famoso Sargento Pepper y será el protector del mágico instrumento de la banda, intentando evitar que los chicos malos, liderados por un magnate de la música, lo roben… Fantasía musical con las famosas melodías del álbum de Los Beatles interpretadas por los Bee Gees y Peter Frampton, a quienes acompañan otros conocidos músicos. Estreno en Cuba.

CÓMO SE HIZO SGT. PEPPER / The Making of Sgt. Pepper / Alan Benson (50’) Reino Unido, 1992-1997 / s.t. españoles / Documental. Colores – Blanco y Negro. Sobresaliente documental sobre Los Beatles y la grabación de su mítico álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, con la experimentada guía de George Martin, productor de los discos del cuarteto, y de sus integrantes Paul, Ringo y George, quienes enriquecen el material con sus relatos. Estreno en Cinemateca.

MÚSICA DE SALA: Album SGT. PEPPER’S LONELY HEARTS CLUB BAND de Los Beatles (1967).

NOTICIEROS ICAIC LATINOAMERICANO

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 503 / Santiago Álvarez (9’) 4/8/70

Reseña de la conmemoración del XVII aniversario del 26 de Julio. Mención a la labor desarrollada por el Noticiero ICAIC, destacándose este número, en la Selección anual de la Crítica (1970).

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 504 / Santiago Álvarez (9’) 20/8/70

Plan vacacional para niños diabéticos, diseñado por el MINSAP. Reportaje sobre la lucha armada del Movimiento de Liberación Nacional Tupamaros, en Uruguay, contra el régimen del presidente Jorge Pacheco Areco.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 505 / Santiago Álvarez (9’) 29/8/70

Reportaje sobre el acto conmemorativo del X aniversario de la creación de la FMC.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 1215 / Santiago Álvarez; Realizador: Lázaro Buría (10’) 9/2/85  Custodio del ICAIC logra que una pareja de tomeguines del pinar salgan de su jaula y regresen a ella. Nota dedicada al Día de los Enamorados. Entrega de los premios Girasol 1984 de la revista Opina. Reunión anual de directores de las cinematecas de países socialistas en el XXV aniversario de la Cinemateca de Cuba. Retrospectiva de los filmes de Chaplin. XXV aniversario de la colaboración entre la URSS y Cuba.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 506 / Santiago Álvarez (7’) 14/9/70

Reportaje sobre el censo de población y viviendas efectuado el 6 de septiembre de 1970. Reseña del fallecimiento del Dr. Gustavo Aldereguía, prestigioso médico cubano y viejo militante revolucionario, compañero de luchas de Julio Antonio Mella y Rubén Martínez Villena. Declaran guerra al ausentismo en los centros laborales.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 507 / Santiago Álvarez (7’) 28/9/70

Encuentro de los miembros de los CDR con el personal médico cubano que prestó servicios en Perú con motivo del terremoto que afectó a ese país.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 508 / Santiago Álvarez (9’) 15/10/70

El Comandante en Jefe Fidel Castro resume festejos por el décimo aniversario de los CDR. Imágenes de los acontecimientos en Chile por la victoria de Salvador Allende en las elecciones presidenciales, y de la represión en Uruguay contra los Tupamaros.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 509 / Santiago Álvarez (7’) 22/10/70

Homenaje al Comandante Ernesto Che Guevara en el tercer aniversario de su muerte.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 510 / Santiago Álvarez (7’) 5/11/70

Entrevista a Salvador Allende, del Partido Unidad Popular, elegido presidente de Chile. Escenas durante el desarrollo de la revista. Mitin a favor de Allende en el teatro Caupolicán, dos días antes de su toma de posesión como presidente.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 511 / Santiago Álvarez (9’) 12/11/70

Recordación del dirigente revolucionario brasileño Carlos Marighella en el primer aniversario de su muerte. Mención a la labor desarrollada por el Noticiero ICAIC, destacándose este número, en la Selección anual de la Crítica (1970).

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 512 / Santiago Álvarez (9’) 19/11/70

Reportaje sobre el restablecimiento de las relaciones diplomáticas entre Chile y Cuba.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 513 / Santiago Álvarez (7’5’) 26/11/70

Reportaje sobre la Semana del Tránsito en Cuba. Mención a la labor desarrollada por el Noticiero ICAIC, destacándose este número, en Selección anual de la Crítica (1970).

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 514 / Santiago Álvarez (6’) 1/12/70

Nuevos bombardeos contra ocho provincias de Vietnam con el pretexto de rescatar a pilotos norteamericanos presos, después de haber suspendidos los mismos en enero de 1968 por el entonces presidente Lyndon B. Johnson. Fuerzas mercenarias armadas y entrenadas por colonialistas portugueses intentan invadir a la república africana de Guinea. Mención a la labor desarrollada por el Noticiero ICAIC, destacándose este número, en la Selección anual de la Crítica (1970).

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 515 / Santiago Álvarez (7’) 17/12/70

Inauguran XVII Serie Mundial de Béisbol Amateur en Colombia. Acto de conmemoración del 7 de diciembre, caída del lugarteniente general Antonio Maceo, donde habla el comandante Oscar Fernández Mell. Plenaria Nacional de la Industria Básica en la CTC, cuyas conclusiones realiza el Comandante en Jefe Fidel Castro.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 516 / Santiago Álvarez (15’) 29/12/70

Reportaje sobre la presencia del equipo cubano en la XVII Serie Mundial de Béisbol Amateur, celebrada en Colombia.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 517 / Santiago Álvarez (Realizador: Luis Felipe Bernaza). (8’) 14/1/70 Nuevo plan del MINCIN cubano para la venta de juguetes, mediante reservación de turnos por teléfono, con el fin de evitar las colas y la especulación.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 518 / Santiago Álvarez (9’) 27/1/71

Reportaje sobre la introducción en Cuba de nuevo corte de caña larga (australiano). Imágenes de la utilización de este nuevo método en diferentes países del mundo.

NOTICIERO ICAIC LATINOAMERICANO 519 / Santiago Álvarez (19’) 26/2/71

Noticiero sobre las tradiciones populares cubanas positivas y negativas con secuencias didácticas sobre la quema de caña y el corte australiano.

El Rey León (Fotograma)

CINEMATECA PARA NIÑOS Y JÓVENES

CLÁSICOS DE WALT DISNEY EN ALTA DEFINICIÓN Y EN ESPAÑOL (III)

EL REY LEÓN / The Lion King / Roger Allers y Rob Minkoff (88’) EE.UU., 1994 / en español / Colores. Magistral animado sobre un león cachorro que es exiliado por su malvado tío –y asesino de su padre– y se prepara para recuperar su cetro. Entretenido e inolvidable, esta cinta ganó los premios Oscar a la mejor partitura y a la mejor canción.

EL REY LEÓN / Lion King / Jon Favreau (118’) EE.UU., 2019 / en español / Largometraje de animación. Colores. Tras el asesinato de su padre, un joven león abandona su reino para descubrir el auténtico significado de la responsabilidad y de la valentía. Nueva versión de El rey león con un original diseño visual que le permite un gran realismo. Nominada al Globo de Oro a la mejor película animada y a la mejor canción.

LA SIRENITA / The Little Mermaid / John Musker, Ron Clements (79’) EE.UU., 1989 / en español / Colores. Ariel, hija del rey Tritón, es la princesa de las sirenas. Está a punto de celebrarse su fiesta de cumpleaños y su mayor ilusión es poder conocer a los seres humanos. Con la ayuda de la bruja Úrsula, Ariel consigue subir a la superficie, donde salva de morir ahogado a un hermoso príncipe, cuyo barco acaba de naufragar, del que se enamora perdidamente… Ganó los premios Oscar y Globos de Oro a la mejor banda sonora original y a la mejor canción. Estreno en Cinemateca.

LA BELLA DURMIENTE / The Sleeping Beauty / Clyde Geromini (70’) EE.UU., 1959 / en español / Colores. En el Palacio Real todo es alegría, pues ha nacido una niña, Aurora. Las tres hadas están concediéndole sus dones mágicos cuando la bruja Maléfica irrumpe, lanzándole una maldición: a los 16 años se pinchará con un huso de coser y caerá en un letargo eterno… Una de las más conocidas y hermosas producciones de la compañía Walt Disney. Esta es la versión restaurada y remasterizada con motivo del 50 aniversario de su estreno.

FILMES DE AVENTURAS EN ESPAÑOL (II)

EL ZORRO / Duccio Tessari (120′) Francia-Italia, 1975 / Doblada al español / Alain Delon, Ottavia Piccolo, Stanley Baker, Adriana Asti. Colores. Procedente de los muñequitos o comics, el personaje de Zorro, justiciero enmascarado por excelencia, ha sido objeto de numerosas adaptaciones al cine, desde la época silente hasta las posteriores interpretadas por el español Antonio Banderas. Esta versión fue muy popular en nuestro país.

LA MARCA DEL ZORRO / The Mark of Zorro / Rouben Mamoulian / (90’) EE.UU., 1940 / Doblada al español / Tyrone Power, Linda Darnell, Basil Rathbone, Gale Sondergaard. Blanco y Negro. Formidable versión de la conocida historia del héroe enmascarado, en esta ocasión interpretado por el conocido actor Tyrone Power.

LOS CABALLEROS DE LA MESA REDONDA / Knights of the Round Table / Richard Thorpe (112’) EE.UU., 1953 / Doblada al español / Robert Taylor, Ava Gardner, Mel Ferrer, Stanley Baker. Colores. La mítica corte del Rey Arturo y sus caballeros de la Mesa Redonda ha dado lugar a numerosos textos y filmes (uno de los más logrados es Excalibur de John Boorman). Esta versión, rodada en atractivas locaciones británicas, corrió a cargo de un experto en el género y constituyó la primera película rodada por la compañía M-G-M en el entonces novedoso formato Cinemascope. También conocida como Los caballeros del Rey Arturo.

HÉRCULES / Le fatiche di Ercole / Pietro Francisci (90’) Italia-España, 1958 / Doblada al español / Steve Reeves, Sylva Koscina, Gianna Maria Canale. Colores. Esta película de aventuras de tema mitológico–fantástico se considera como la primera del subgénero del péplum, famoso en el cine italo-español de esos años. Narra la participación del forzudo Hércules en el viaje de los argonautas según se cuenta en las Argonáuticas de Apolonio de Rodas, y contó con el estadounidense Steve Reeves, entonces conocido campeón de pesas, y la bella Sylva Koscina.

LA GUERRA DE LOS BOTONES / La Nouvelle Guerre des Boutons / Christophe Barratier (96’) Francia, 2011 / Doblada al español / Jean Texier, Clément Godefroy, Théophile Baquet. Colores. Durante la Segunda Guerra Mundial, otra guerra se libra en un pequeño rincón del campo francés. Los chicos de dos pueblos vecinos siempre se han odiado. En una de esas batallas, Lebrac, un chico de trece años, conflictivo pero de gran corazón, tiene una idea brillante: arrancar todos los botones de las ropas de los prisioneros que tomen, para que vuelvan a sus casas desnudos, vencidos y humillados. Se ha declarado la «guerra de los botones», y el pueblo que reúna el mayor número de botones será declarado vencedor… Segunda adaptación de la novela La Guerre des Boutons, de Louis Pergaud, que ubicaba su acción en los años 40.

EL TULIPÁN NEGRO / Le Tulipe Noire/ Christian-Jaque (70’) Francia, 1963 / doblada al español / Alain Delon, Virna Lisi, Dawn Adams. Colores. En vísperas de la Revolución de 1789, dos hermanos gemelos, Julien y Guillaume de Saint-Preux, se ven envueltos en una impresionante aventura donde el bien y el mal encarnados se enfrentan…

IN MEMORIAM: HOMENAJE A PERSONALIDADES FALLECIDAS EN 2021 (FINAL)

Antonio Giménez-Rico (82), cineasta y guionista español; coronavirus (n. 1938).

SOMBRAS Y LUCES (100 AÑOS DE CINE ESPAÑOL) / Antonio Giménez-Rico (100’) España, 1996 / narrado en inglés / Documental de largometraje. Interesante recuento del primer centenario del cine español con significativas escenas de filmes. Imperio Argentina, Aurora Bautista, Amparo Rivelles, Concha Velasco, Verónica Forqué, José Luis López Vázquez, Maribel Verdú y Jorge Sanz son los artistas invitados que comentan el documental.

George Segal (87), actor y banjista estadounidense; complicaciones en cirugía de bypass (n. 1934)

¿QUIÉN LE TEME A VIRGINIA WOOLF? / Who’s Afraid of Virginia Woolf? / Mike Nichols (129’) EE.UU., 1966 / s.t. españoles / Elizabeth Taylor, Richard Burton, Sandy Dennis, George Segal. Blanco y Negro. Versión de la pieza teatral homónima de Edward Albee. Un matrimonio maduro regresa a su domicilio tras participar en una fiesta social. Con algunos tragos de más, esa pareja empieza a intercambiar frases ingeniosas y a dispararse dardos satíricos. La agresividad mutua va en aumento, a la par del consumo alcohólico. Con el arribo de otro matrimonio bastante más joven, la situación alcanzará hasta zonas de muy denso sadomasoquismo, para que salgan a la luz resentimientos y frustraciones varias… Premios Oscar a la mejor actriz protagónica (Taylor), y de reparto (Sandy Dennis), mejor fotografía (Haskell Wexler), dirección de arte y vestuario. Homenajeamos también al director de fotografía Haskell Wexler, cuyo centenario se cumple en el mes de febrero.

Bertrand Tavernier (79), actor, guionista y cineasta francés (n. 1941)

RONDA DE MEDIANOCHE / Round Midnight/ Bertrand Tavernier (131’) Francia-EE.UU., 1986 / s.t. españoles / Dexter Gordon, François Cluzet, Gabrielle Haker, Sandra Reaves-Phillips. Colores. Una noche de 1959, en París, un debilitado músico norteamericano de jazz asombra a la clientela del club Blue Note con el elocuente sonido de su saxo. Fuera del local, un hombre le escucha entusiasmado. Pronto, a ambos les unirá una gran amistad…Extraordinario filme basado en las vidas del pianista Bud Powell y del saxofonista Lester Young interpretado por una leyenda del jazz, el saxofonista Dexter Gordon. Imprescindible para los amantes del jazz y del buen cine. Ganó el Oscar a la mejor banda sonora, y su protagonista ganó el premio italiano David di Donatello. Conocido también como Alrededor de la medianoche.

George Ogilvie (89), actor y director australiano (n. 1931)

MAD MAX, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO / Mad Max Beyond Thunderdome/ George Miller, George Ogilvie (106’) Australia, 1985 / s.t. españoles / Mel Gibson, Tina Turner, Angelo Rossitto, Helen Buday. Colores. Max, con cicatrices de batalla, vestido de cuero y acero, se encuentra en lo alto de una colina despidiendo a un convoy de vehículos en mal estado. El guerrero, que antes había sido policía, ahora deambula por esta tierra árida y solitaria. Su historia, que ahora es contada por un anciano, se remonta a los últimos días del viejo mundo. Con la presencia de la cantante Tina Turner.

Shirley Knight (83), actriz de teatro, cine y televisión estadounidense (n. 1936)

EL GRUPO / The Group / Sidney Lumet (150’) EE.UU., 1966 / s.t. españoles / Candice Bergen, Joan Hackett, Elizabeth Hartman, Shirley Knight. Colores. Buena adaptación del melodrama de Mary McCarthy situado en el mundo de las altas clases sobre seis chicas graduadas de una exclusiva escuela. “En su excelente reparto sobresalen Knight y Hackett” (Leonard Maltin). Debut de Bergen y Hackett. Estreno en Cuba.

Charles Grodin (86), actor, comediante y escritor estadounidense (n. 1935)

KING KONG / John Guillermin (135’) EE.UU., 1976 / s.t. españoles / Jeff Bridges, Jessica Lange, Charles Grodin, John Randolph. Colores. Una ponderosa compañía envía una expedición, dirigida por Fred Wilson, a la Micronesia con la intención de encontrar petróleo. Con ellos va Jack Prescott, cuyo objetivo es encontrar un monstruo prehistórico. Durante la travesía, se encuentran a una mujer que se ha salvado del naufragio del barco en que viajaba con un productor de cine. Cuando desembarcan, observan que unos nativos colocan a una mujer nativa en una plataforma, mientras invocan a una misteriosa deidad animal… Este remake del famoso original de 1933 y antecesor de la versión de 2005, tenía el atractivo especial de su protagonista, la debutante Jessica Lange, quien ganó el Globo de Oro a la mejor actriz revelación. Ganó también el Oscar a los mejores efectos visuales.

Paulo Thiago (75), cineasta, productor y guionista brasileño (n. 1945).

EL VESTIDO / O vestido/ Paulo Thiago (116’) Brasil, 2004 / s.t. españoles / Ana Beatriz Nogueira, Leonardo Vieira, Gabriela Duarte, Daniel Dantas, Paulo José. Colores. Por casualidad dos jovencitas descubren en su casa un viejo y hermoso vestido de fiesta. Curiosas, ellas quieren saber corno el vestido fue a parar allí, principalmente después de haber visto a su madre llorando con el mismo entre las manos. Ellas inician entonces una investigación que podría responder también otra bien reservado secreto familiar… Estreno en Cinemateca.  

Ned Beatty (83), actor estadounidense (n. 1937)

1941 / Steven Spielberg (118’)  EE.UU., 1979 / s.t. españoles / Dan Aykroyd, Ned Beatty, John Belushi, Treat Williams, Nancy Allen. Colores. La histeria colectiva se apodera de los habitantes de las costas de California en los días posteriores al ataque japonés contra Pearl Harbor. Un submarino nipón se ha extraviado y la población teme una invasión… Divertida comedia de los inicios de la carrera del luego famoso Steven Spielberg. Estreno en Cinemateca.

Clare Peploe (79), guionista, productora y cineasta angloitaliana (n. 1942)

CAUTIVOS DEL AMOR / Besieged / Bernardo Bertolucci (94’) Italia-Reino Unido, 1998 / s.t. españoles / Thandie Newton, Davis Thewlis, Claudio Santamaría. Colores. Una joven inmigrante africana, Shandurai, que ha emigrado a Roma, limpia la residencia de un reservado pianista británico, quien se enamora de ella y está dispuesto a todo para probarle su amor… Sobresalientes actuaciones de Newton y Thewlis en esta cinta escrita por Clara Peploe y el director, realizada originalmente para la televisión italiana. Nominada al premio David di Donatello al mejor filme.

Raffaella Carrà (78), actriz, presentadora de televisión, cantante, bailarina, compositora y coreógrafa italiana (n. 1943).

EL EXPRESO DE VON RYAN / Von Ryan’s Express / Mark Robson (114’) EE.UU., 1965 / s.t. españoles / Frank Sinatra, Trevor Howard, Raffaella Carrá, Brad Dexter. Colores. Corre 1943 y el piloto y oficial norteamericano Joseph Ryan es derribado y hecho prisionero en un campo de concentración. Al principio se gana el insultante apodo Von Ryan, pero con el tiempo toma el cargo del oficial británico al mando y dirige una carrera temeraria hacia la libertad que implica confiscar un tren y viajar a través de Italia hacia Suiza… Basado en la novela de David Westheimer.

Richard Donner (91), cineasta y productor estadounidense (n. 1930).

LA PROFECÍA / The Omen / Richard Donner (111’) EE.UU., 1976 / s.t. españoles / Gregory Peck, Lee Remick, Billie Whitelaw, David Warner. Colores. Famoso filme terrorífico sobre la llegada del Anticristo personificado en un niño, hijo de un matrimonio de norteamericanos residente en Londres. Tuvo 3 secuelas y conoció un remake en 2006. Estreno en Cinemateca.

Pilar Bardem (82), actriz española (n. 1939).

NADIE HABLARÁ DE NOSOTRAS CUANDO HAYAMOS MUERTO/ Agustín Díaz Yanes (104´) España, 1995 / Victoria Abril, Federico Luppi, Pilar Bardem, Daniel Jiménez Cacho. Colores. La vida de Gloria Duque cambia radicalmente cuando presencia en México el asesinato de unos policías. Antes de morir uno de las víctimas le entrega unos importantes y comprometedores documentos que implican a los asesinos… ”No podía ser mejor el debut del guionista Díaz Yanes en la dirección” (Revista Cinemanía). Excelentes actuaciones de Victoria Abril y Pilar Bardem. Recibió 7 premios Goya incluyendo mejor película, guion original, actriz (Victoria Abril) y edición.

Françoise Arnoul (90), actriz francesa (n. 1931).

FRENCH CANCAN / Jean Renoir (104’) Francia-Italia, 1954 / s.t. españoles / Jean Gabin, Françoise Arnoul, María Félix, Anna Amendola, Jean-Roger Caussimon, Dora Doll, Giani Esposito, Michel Piccoli, Edith Piaf, Patachou. Colores. Una comedia romántica y musical en el marco del alegre París de finales del siglo XIX, cuando se fundó el célebre Moulin Rouge, pionero del concepto moderno del café-concierto. Un filme del célebre Jean Renoir, quien supo imprimir la atmósfera de aquella alegre época que inspiró los cuadros de su famoso padre, el pintor Auguste Renoir, con la actuación estelar de la diva mexicana María Félix.

Patricia Hitchcock (93), actriz y productora cinematográfica británica (n. 1928).

PACTO SINIESTRO / Strangers on a Train / Alfred Hitchcock (101’) EE.UU., 1951 / s.t. españoles / Farley Granger, Robert Walker, Ruth Roman, Leo G. Carroll. Blanco y Negro. El desaparecido actor Robert Walker ofrece aquí la mejor interpretación de su carrera como el psicópata que implica a un campeón de tenis en un “doble crimen perfecto”. Magistral filme de Hitchcock, con su hija Patricia en un personaje sobresaliente, lleno de escenas antológicas (el parque de diversiones y la partida final de tenis, entre otras) fotografiadas por Robert Burks, nominado al Oscar. Basado en la novela de Patricia Highsmith. Muy importante.

Enrique Molina (77), actor cubano (n. 1943)

ESTHER EN ALGUNA PARTE / Gerardo Chijona (84’) Cuba-Perú-España, 2013 / Reynaldo Miravalles, Enrique Molina, Daisy Granados, Eslinda Núñez, Alicia Bustamante, Verónica Lynn, Paula Alí, Luis Alberto García, Laura de la Uz, Elsa Camp, Héctor Medina. Colores. A un año de la muerte de su esposa Maruja, Lino Catalá, un anciano serio y formal, es abordado por Larry Pó, otro anciano estrafalario con múltiples personalidades, quien le dice que su mujer llevaba una doble vida: de día un ama de casa común y corriente, y de noche una imponente cantante de boleros. A partir de este momento, ambos se unen en una minuciosa búsqueda en el pasado de Maruja, al tiempo que intentan encontrar el paradero de Esther Rodenas, el gran amor de la vida de Larry.  Mientras siguen el rastro de las mujeres a las que amaron, surge entre ellos una amistad que los transforma de manera definitiva. Guion de Eduardo Eimil, basado en la novela homónima Esther en alguna parte de Eliseo Alberto Diego. Premio al mejor actor extranjero a Enrique Molina, en el Festival El Gallo de Oro y la Cien Flores, República Popular China (2014).

Nino Castelnuovo (84), actor de cine, teatro y televisión italiano (n. 1936)

LOS PARAGUAS DE CHERBURGO / Les parapluies de Cherbourg / Jacques Demy (91’) Francia-RFA, 1964 / s.t. españoles / Catherine Deneuve, Nino Castelnuovo, Anne Vernon, Marc Michel. Colores. Geneviève Emery, cuya madre tiene una tienda de paraguas en Cherburgo, ama a Guy Foucher. La Sra. Emery se opone al idilio de su hija con el joven mecánico. El ejército llama a Guy a prestar servicio militar en la guerra de Argelia. Geneviève se entrega a él antes de su partida y queda embarazada. Guy da noticias rara vez. Empujada por su madre, acepta casarse con Roland Cassard, un rico joyero… Todo un clásico del cine francés, «Los paraguas… es una película contra la guerra, contra la ausencia, contra todo aquello que odiamos y que destruye la felicidad» (Jacques Demy). Premios Palma de Oro, Gran Premio Técnico y OCIC en Cannes ’64; premio Louis Delluc; nominada a 5 premios Oscar, al Globo de Oro al mejor filme extranjero y al premio Grammy.

Jane Powell (92), actriz, cantante y bailarina estadounidense (n. 1929)

BODA REAL / Royal Wedding / Stanley Donen (92’) EE.UU., 1951 / s.t. españoles / Fred Astaire, Jane Powell, Sarah Churchill, Peter Lawford. Colores. Dos hermanos bailarines que acuden a Londres para actuar en la ceremonia que unirá en matrimonio a la princesa inglesa Elizabeth con Philip. Intentarán, además, encontrar el amor de sus vidas, mientras la realeza celebra los fastos de la boda. Nominada al Oscar a la mejor canción.

Mario Camus (86), guionista y cineasta español (n. 1935).

LA CASA DE BERNARDA ALBA / Mario Camus (98’) España, 1987 / Irene Gutiérrez Caba, Ana Belén, Enriqueta Carballeira, Florinda Chico. Colores. La obra dramática más importante de Federico García Lorca es una “historia de mujeres sin hombre”. Bernarda, que a la muerte de su marido se queda al cuidado de sus cinco hijas, somete a éstas a una tal disciplina que resulta, en la práctica, un enterramiento en vida. La aparición de un hombre, Pepe el Romano, para casarse con Angustias, la mayor, mientras mantiene una secreta relación con Adela, la menor, ante la vigilancia morbosa de otra de las hermanas, Martirio, desencadena una serie de acontecimientos que conducen a este grupo de mujeres, víctimas de sí mismas y verdugos unas de otras, a un inesperado desenlace final.  Importante.

Jorge Coscia (69), cineasta y político argentino (n. 1952)

CIPAYOS (LA TERCERA INVASIÓN / Jorge Coscia (110’) Argentina, 1989 / Guillermo Gramuglia, Virginia Innocenti, Inés Estévez, Carlos March, Claudio Rissi. Colores. Buenos Aires, en un lejano e impreciso futuro, se encuentra ocupada por el ejército británico. Los invasores no han venido solos. Han traído su multinacional ejército, colonial de escoceses, irlandeses, galeses, hindúes y africanos. Pero la invasión no es tan pacífica como los invasores quisieran; el arma más eficaz de la resistencia es el tango… Estreno en Cinemateca.

Felipe Cazals (84), cineasta, guionista y actor mexicano (n. 1937)

CANOA / Felipe Cazals (115’) México 1975 / Enrique Lucero, Salvador Sánchez, Ernesto Gómez Cruz, Roberto Sosa, Sr., Arturo Allegro. Colores. 14 de septiembre de 1968. Cinco jóvenes empleados de la Universidad Autónoma de Puebla deciden ir a escalar el volcán La Malinche. El mal tiempo no les permite ascender, y tienen que pasar la noche en el pueblo de San Miguel Canoa, en las faldas del volcán. En esos días de conflictos estudiantiles, los jóvenes son tomados por agitadores comunistas y el pueblo —convencido por el párroco local de que los comunistas quieren poner una bandera rojinegra en la iglesia— decide lincharlos… Impresionante cinta de denuncia social, inspirada en hechos reales, y clasificada número 14 entre las mejores películas del cine mexicano. Premio Especial del Jurado (Oso de Plata) en el Festival Internacional de Berlín.

Luis Eduardo Aute (76), cantautor, cineasta, artista y poeta español (n. 1943)

UN PERRO LLAMADO DOLOR (El artista y su modelo) / Luis Eduardo Aute (89’) España, 2001 / Animación. Obra experimental de Aute que reúne 4000 dibujos que el artista realizó a lo largo de 5 años. Son siete historias cuyo hilo argumental es la relación entre artista y modelo. El nexo entre los episodios es el perro que los protagoniza. La película muestra las relaciones de pintores como Goya, Duchamp, Picasso, Frida Kahlo, Rivera, Dalí y Velázquez. Estreno en Cinemateca.

Moufida Tlatli (73), cineasta tunecina (n. 1947)

 LOS SILENCIOS DEL PALACIO / Les silences du palais / Moufida Tlatli (127’) Túnez-Francia, 1994 / s.t. españoles / Amel Hedhili, Hend Sabri, Najia Ouerghi, Ghalia Lacroix, Sami Bouajila. Colores. Alia, de 25 años, está harta de cantar en las bodas. Tras ser humillada por enésima vez en una recepción, expresa el asco por su propia vida y una rebeldía sorda contra Lotfi, que lleva diez años compartiendo su vida sin jamás ofrecerle matrimonio, y se opone una vez más a que nazca el hijo que lleva dentro. El anuncio de la muerte de Sid Alí, un antiguo bey (señor), la lleva brutalmente de vuelta a su pasado, impulsándola a seguir los rastros de un padre desconocido, que bien podría ser el príncipe… Sombría por momentos, una reveladora historia de descubrimientos y de ese pasado imprescindible de conocer para ser uno mismo. Este debut de la directora Tlatli, dedicado a su madre, fue seleccionado para los festivales de Cannes (mención especial del jurado y Caméra èd’Or), Cartago (Tanit d’Or), Chicago (mejor debut) y Toronto (premio de la crítica).

La Cinemateca de Cuba es una institución cultural, creada en 1960, con el propósito fundamental de garantizar la protección indefinida del patrimonio cinematográfico nacional y de contribuir al desarrollo cultural cinematográfico del público. Persigue estos objetivos mediante la localización, adquisición, conservación, restauración, catalogación y exhibición de películas de interés artístico, técnico, social, histórico, político o cultural, así como toda documentación sobre la historia y desarrollo del cine nacional y mundial.

Coo en todo museo, las actividades de la Cinemateca, por su naturaleza, requieren un ambiente de concentración, por lo que se exigirá el mayor orden y se tomarán las medidas necesarias para evitar que se distraiga la atención del público durante las exhibiciones. Entre estas, se solicita que los espectadores que posean teléfonos celulares los desconecten.

La Cinemateca cierra sus puertas los lunes y martes. En estos momentos hay una función diaria para adultos de miércoles a domingos a las 5:00 p.m. y funciones de la Cinemateca Infantil y Juvenil los sábados y domingos a la 1:00 p.m. en nuestra sede, la Sala 23 y 12, así como dos funciones diarias (2:30 y 5:00 p.m.) de miércoles a domingos en la Sala Charlot del cine Charles Chaplin. Solo se admiten mayores de 16 años con excepciones que se informarán. Salvo indicar lo contrario, la entrada no requiere de pase o invitación alguna, y se efectuará mediante el pago en taquilla, que estará abierta 30 minutos antes de cada función y cerrará 5 minutos antes. Una vez comenzada la proyección no se permitirá el acceso a la sala, que el público debe abandonar una vez terminada la función para la tanda siguiente. La Cinemateca se reserva el derecho de alterar los programas u horarios en caso de necesidad.

Programación y Notas: Antonio Mazón Robau

Agradecimientos: Rogelio García, Giraldo Lominchar, Arístides O’Farrill, José Reinaldo Sarduy, Luis Daniel Gómez, Ariel Valdivia, Jorge Villa, José Ramón Rodríguez Neyra, Armando Cid y la Mediateca «André Bazin» (Escuela Internacional de Cine y TV).

Cinemateca de Cuba

Calle 11 No. 806, entre 2 y 4, Vedado, La Habana, Cuba. Tel. (53) 7838-0009 / e-mail: cinemateca@icaic.cu

Miembro de la Federación Internacional de Archivos Fílmicos (FIAF) y de la Coordinadora Latinoamericana de Archivos de Imágenes en Movimiento (CLAIM).

Cine 23 y 12, Calle 23 e/ 12 y 14, Vedado. Telf. 7833-6906

Cine Charles Chaplin, Sala Charlot, Calle 23 e/ 10 y 12 Telf. 7831-1101

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Nuevos acercamientos a los estudios latinoamericanos: Cultura y poder (+Libro)

1 enero, 2022 admin
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Editor: Juan Poblete

Este nuevo volumen que CLACSO coedita con UNAM propone una cartografía de los últimos veinticinco años del campo de los estudios latinoamericanos organizada por giros. Sus dieciséis capítulos, que recorren desde el giro de la memoria, el decolonial, el transatlántico, hasta el afectivo, incluyen tanto una revisión de la bibliografía clave para entender el cambio paradigmático respectivo y sus efectos en el campo más amplio de los estudios latinoamericanos, así como una evaluación sobre los logros, posibilidades y limitaciones de la mutación estudiada. A través de un panorama amplio, aunque no exento de controversias ni polémicas, de la radical transformación de los temas, problemas, alcances y presupuestos epistemológicos y metodológicos del campo en ese periodo, sugiere algunos caminos para el futuro inmediato.

Tomado de: CLACSO

Nuevos acercamientos a los estudios latinoamericanos: Cultura y poder PDF

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La prostitución en el corazón del capitalismo

1 enero, 2022 admin
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Autora: Rosa Cobo Bedía

Este libro explica los cambios que ha experimentado la prostitución en las últimas décadas. El viejo mundo de la prostitución era un conjunto de negocios casi artesanales sin apenas impacto económico. El nuevo canon es una industria global, interconectada, con un modo de funcionamiento similar al de las grandes corporaciones capitalistas, un volumen de beneficios anual mucho mayor que el de varias multinacionales juntas y con un pie en la economía ilícita y otro en la lícita. La novedad de la prostitución en el siglo XXI es la fusión entre los intereses patriarcales y los intereses capitalistas. El resultado es un proceso creciente de mercantilización de los cuerpos y de la sexualidad de millones de mujeres en todo el mundo, que son expulsadas de los países periféricos y traídas a los países centrales para que varones de todas las clases sociales accedan sexualmente a sus cuerpos en una operación de colonialismo sexual. Este gigantesco aumento de la prostitución ha sido posible por la complicidad de algunos estados y de algunas instituciones del capitalismo internacional. En este ensayo, Rosa Cobo muestra cómo la prostitución constituye un fenómeno social clave para entender la nueva configuración del capitalismo global y de los patriarcados contemporáneos.

Contenidos

Índice

Agradecimientos

Capítulo 1. La prostitución en el corazón de la barbarie

Capítulo 2. El cuerpo de las mujeres y la sobrecarga de sexualidad

Capítulo 3. Globalización de la pornografía

Capítulo 4. Economía política de la prostitución

Capítulo 5. La trata y las nuevas formas de esclavitud

Capítulo 6. La elección de las mujeres prostituidas

Capítulo 7. La demanda en la prostitución: los puteros

Rosa Cobo Bedía. Doctora en Ciencias Políticas y Sociología, profesora titular de Sociología en la Universidad de A Coruña y directora de Atlánticas. Revista Internacional de Estudios Feministas de la misma universidad. Directora académica del máster online Igualdad y Equidad en el Desarrollo (en cooperación con la Universitat de Vic). Cabe destacar algunos de sus libros: Fundamentos del patriarcado moderno. Jean Jacques Rousseau (Cátedra, 1995), Interculturalidad, feminismo y educación (Los Libros de la Catarata, 2006), Educar en la ciudadanía. Perspectivas feministas (Los Libros de la Catarata, 2008) y Hacia una nueva política sexual (Los Libros de la Catarata, 2011). Sus últimos libros publicados son La imaginación feminista. Debates y transformaciones disciplinares (Los Libros de la Catarata, 2019), junto a Beatriz Ranea, Breve diccionario de feminismo (Los Libros de la Catarata, 2020) y Pornografía. El placer del poder (Ediciones B, 2020).

Tomado de: Catarata

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Criminal de guerra recompensado, revelador de la verdad castigado

1 enero, 2022 admin
Textos prestados
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Foto Chicago Sun-Times

Por Vijay Prashad @vijayprashad

El 12 de julio de 2007, dos helicópteros estadounidenses AH-64 Apache dispararon balas de cañón de 30 milímetros contra un grupo de civiles iraquíes en Nueva Bagdad. Estos artilleros del ejército estadounidense asesinaron al menos a una docena de personas, entre ellas el fotógrafo de Reuters Namir Noor-Eldeen y su conductor Saeed Chmagh.

Reuters pidió inmediatamente que Estados Unidos realizara una investigación sobre el asesinato. En cambio, el gobierno de dicho país les dio la versión oficial de que los soldados de la compañía Bravo, 2-16 de infantería, habían sido atacados con armas ligeras en el marco de su operación Ilaaj en el barrio de al-Amin al-Thaniyah. Los soldados solicitaron ataques aéreos, que llegaron y limpiaron las calles de insurgentes. Reuters tenía información de que los helicópteros filmaron el ataque, por lo que el medio de comunicación solicitó el video a los militares estadounidenses. Estados Unidos se negó, alegando que no existía tal video.

Dos años después, el reportero del Washington Post David Finkel publicó The Good Soldiers [Los buenos soldados], un libro basado en el tiempo que pasó como miembro del batallón 2-16. Finkel estaba con los soldados en el barrio de al-Amin al-Thaniyah cuando escucharon a los helicópteros Apache en acción. Defendió a los militares estadounidenses, señalando que “la tripulación del Apache había seguido las reglas de combate” y que “todos habían actuado adecuadamente”. Los soldados, escribió Finkel, eran “buenos soldados, y había llegado la hora de la cena”. En su relato, Finkel dejó claro que había visto un video del incidente, aunque el gobierno estadounidense negó su existencia a Reuters y a las organizaciones de derechos humanos.

El 5 de enero de 2010, Chelsea Manning, soldado estadounidense en Irak, descargó en discos compactos una serie de documentos y videos relacionados con la guerra y se los llevó a Estados Unidos. El 21 de febrero de 2010, Manning entregó el material relacionado con Irak a la organización WikiLeaks, creada en 2006 por un grupo de personas comprometidas lideradas por el ciudadano australiano Julian Assange. WikiLeaks y Assange revisaron el material y publicaron el video completo de los helicópteros Apache en su sitio web bajo el título “Collateral Murder” [Asesinato colateral] el 5 de abril de 2010.

WikiLeaks, Collateral Murder (Asesinato colateral), 2007.

El vídeo es espeluznante. Muestra la espantosa inhumanidad de los pilotos. La gente en tierra no estaba disparando a nadie, pero los pilotos disparan indiscriminadamente. “Mira a esos bastardos muertos”, dice uno de ellos; “bonito”, dice otro después de disparar a los civiles. Saleh Mutashar Tuman, conductor de una furgoneta, llega al lugar de los hechos, se detiene y se baja para ayudar a los heridos, entre ellos Saeed Chmagh. Los pilotos solicitan permiso para disparar contra la furgoneta; rápidamente se les concede la autorización y comienzan a abrir fuego. Minutos más tarde, el especialista del ejército Ethan McCord —que forma parte del batallón 2-16 en que estaba Finkel— observa la escena desde el suelo. En 2010, McCord contó a Kim Zetter, de Wired, lo que había presenciado: “Nunca había visto a nadie ser disparado por una bala de 30 milímetros. No parecía real, en el sentido de que no parecían seres humanos. Estaban destruidos”.

En la furgoneta, McCord y los demás soldados encontraron a Sajad Mutashar (10 años) y Doaha Mutashar (5 años) gravemente heridos; su padre, Saleh, estaba muerto en el suelo. En el video, el piloto vio que había niñxs en la furgoneta: “Bueno”, dijo insensiblemente, “es su culpa por llevar niñxs a una batalla”. Cuando WikiLeaks hizo público el video, Sajad Mutashar, que entonces tenía doce años, dijo: “Quiero recuperar nuestros derechos de los estadounidenses que nos dañaron”. Su madre, Ahlam Abdelhussein Tuman, dijo: “Me gustaría que el pueblo estadounidense y el mundo entero entendieran lo que ocurrió aquí en Irak. Perdimos nuestro país y nuestras vidas fueron destruidas”. Se les respondió con el silencio. Sajad, que se recuperó parcialmente de sus heridas, fue asesinado por un coche bomba en Bagdad en marzo de 2021.

Robert Gibbs, secretario de prensa del expresidente de Estados Unidos, Barack Obama, dijo en abril de 2010 que los hechos mostrados en el video eran “extremadamente trágicos”. Pero la verdad ya había salido a la luz. Este video mostró al mundo el carácter real de la guerra de Estados Unidos contra Irak, que el Secretario General de las Naciones Unidas, Kofi Annan, calificó de ilegal. Ni el presidente de Estados Unidos, George W. Bush, ni el primer ministro del Reino Unido, Tony Blair, han tenido que responder a la acusación de la ilegalidad de su guerra contra Irak, aunque el periodista iraquí Muntadhar al-Zaidi lanzó sus zapatos a Bush en Bagdad en 2008 mientras decía: “Este es un beso de despedida del pueblo iraquí, perro”, y el cineasta David Lawley-Wakelin interrumpió el testimonio de Blair en la investigación Leveson en 2012 para llamarlo criminal de guerra.

Cuando WikiLeaks y Assange publicaron ese video, avergonzaron al gobierno de Estados Unidos. Todas sus afirmaciones sobre la guerra humanitaria perdieron credibilidad. A partir de ese momento el gobierno de EE. UU. —ya sea bajo el mando de Obama, Trump o Biden— buscó castigar a Assange. Había que llevar a Assange a Estados Unidos y meterlo en prisión. No se iba a permitir que nadie se saliera con la suya al revelar la verdad del belicismo estadounidense.

En 2019, el gobierno de Ecuador le retiró el asilo diplomático en su embajada de Londres y lo entregó a las autoridades británicas. Pocos días después, el gobierno británico explicó por qué el fundador de WikiLeaks estaba en la prisión de Belmarsh: “Podemos confirmar que Julian Assange fue detenido en relación con una solicitud de extradición provisional de Estados Unidos, donde está acusado de delitos informáticos”. El Departamento de Justicia de EE. UU. dijo que Assange era buscado por una “conspiración de hackeo informático”. Pero Assange no hackeó ningún computador. El material fue recogido por Chelsea Manning, que lo entregó a WikiLeaks, que a su vez lo publicó junto con una serie de medios de comunicación. Assange es un periodista y un editor, no un hacker. Lo que se castiga aquí es el periodismo.

Es por eso que ocho medios de comunicación de todo el mundo se unieron para publicar una declaración sobre la reciente decisión del tribunal británico de que Assange puede ser extraditado a Estados Unidos. A continuación se encuentra la declaración:

El 10/12 un tribunal británico emitió un veredicto que despeja el camino para la extradición del periodista y editor Julian Assange a EE. UU. Si la extradición se lleva a cabo, Assange enfrentará un proceso penal, y si es condenado, podría pasar el resto de su vida en la cárcel.

Julian Assange y su organización WikiLeaks publicaron información vital recibida de denunciantes como Chelsea Manning, que describe los crímenes de guerra y las atrocidades de Estados Unidos en Irak y Afganistán. Entre ellos, “Asesinato colateral”, el espeluznante video que mostraba al personal militar estadounidense matando a civiles iraquíes, incluidos dos periodistas. Las revelaciones de WikiLeaks también sacaron a la luz la corrupción y las violaciones de los derechos humanos por parte de gobiernos de todo el mundo, y estos informes han sido asumidos y citados por organizaciones de medios de comunicación de todo el mundo.

Por este delito de periodismo, Julian Assange ha sido perseguido durante más de una década. Es el primer editor acusado en virtud de la Ley de Espionaje. El gobierno de Estados Unidos y sus aliados en todo el mundo se han negado a aceptar el hecho de que Assange es un periodista. La persecución de Julian Assange es, por tanto, un ataque fundamental al periodismo, a la libertad de prensa y a la libertad de expresión.

Las organizaciones de medios que aquí firmamos rechazamos y denunciamos este ataque contra Julian Assange y el periodismo. La libertad de prensa seguirá siendo una frase vacía mientras se mantenga la persecución a Julian Assange y WikiLeaks.

ARG Medios, Brasil de Fato, BreakThrough News, Madaar, NewsClick, New Frame, Pan African TV, and Peoples Dispatch.

En 2004, la artista iraquí Nuha al-Radi murió de leucemia causada por el uranio empobrecido que Estados Unidos utilizó en Irak. Su cautivador libro, Los diarios de Bagdad. Crónica de una mujer sobre la guerra y el exilio (2003), nos habla del sufrimiento que padecieron todos los seres vivos de su Bagdad natal durante los bombardeos estadounidenses de 1991: “Los pájaros han recibido el peor golpe de todos. Tienen almas sensibles que no pueden soportar todo este horrible ruido y vibración. Todos los pájaros enjaulados han muerto por el impacto de las explosiones, mientras que los pájaros en libertad vuelan al revés y dan locas volteretas. Cientos, si no miles, han muerto en el huerto. Los solitarios supervivientes vuelan distraídos”.

El 28 de enero de 2007, unos meses antes de ser asesinado por el helicóptero Apache del ejército estadounidense, Namir Noor-Eldeen fue a una escuela secundaria del distrito de Adil, en Bagdad, donde un ataque con mortero había matado a cinco alumnas. Noor-Eldeen tomó una fotografía de un niño que pasaba junto a un charco de sangre con una pelota de fútbol bajo el brazo. Junto a la sangre roja y brillante hay unos cuantos libros de texto arrugados. Fue el ojo humano de Noor-Eldeen el que tomó esta impactante imagen de lo que se ha convertido en normal en Irak. Esto es lo que la guerra ilegal de Estados Unidos le ha hecho a su país.

Assange, que publicó la historia sobre la muerte de Noor-Eldeen, está sentado en su celda, esperando ser extraditado. Tras el veredicto del tribunal superior, el periodista John Pilger señaló: “Hace poco pasé por la mansión de 8 millones de libras de Tony Blair en la plaza Connaught de Londres. Está a una hora de viaje sombrío de la prisión de Belmarsh, donde Julian Assange “vive” en una pequeña celda. Esta es la Navidad de 2021 en Gran Bretaña: el criminal de guerra recompensado, el revelador de la verdad castigado, quizás hasta la muerte” (traducción libre).

Tomado de: Instituto Tricontinental de Investigación Social

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¿Alguien vio venir a ómicron? Sí, de hecho, muchos

1 enero, 2022 admin
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Vasileios Papageorgiou (Grecia)

Por Amy Goodman & Denis Moynihan

“Nadie veía venir esto. Nadie en todo el mundo. ¿Quién lo vio venir?”. El presidente Joe Biden utilizó estas palabras para referirse a la irrupción de la variante ómicron del Covid-19 en una entrevista concedida el miércoles a la cadena de noticias ABC. De hecho, mucha gente la vio venir.

Especialistas de la salud y activistas de todo el mundo han estado advirtiendo durante más de un año que mientras gran parte de la población mundial permanezca sin vacunarse, es seguro que variantes más agresivas del virus persistan y se desarrollen.

Mientras comenzamos a transitar el tercer año de la pandemia, ya se cuentan más de 277 millones de casos y 5,4 millones de muertes en todo el mundo. La variante ómicron se está propagando a una velocidad sin precedentes. Incluso las personas completamente vacunadas y con dosis de refuerzo se están contagiando. Aun así, la vacunación sigue siendo la mejor forma de evitar caer gravemente enfermos o morir a causa de la COVID-19. Sin embargo, las vacunas siguen fuera del alcance de gran parte de la población mundial. Muchas de las vacunas y tratamientos efectivos se desarrollaron gracias al dinero de los impuestos que pagan los contribuyentes, al trabajo de científicos de instituciones de salud pública y a otros recursos públicos. No obstante, las corporaciones farmacéuticas sacan un rédito exorbitante por la venta de estos productos fundamentales para salvar vidas y retienen las fórmulas de las vacunas mientras millones continúan enfermándose y muriendo. La codicia no debería determinar el curso de esta pandemia.

“Ninguna empresa, por muy poderosa que sea, debería poder dictar quién vive y quién muere, o ejercer una influencia tan grande que determine si la economía mundial prospera o se paraliza. Pero Moderna está haciendo precisamente eso”, afirmó Diana Kearney, asesora legal y de defensa de los accionistas de la organización Oxfam America. Kearney hizo estas afirmaciones en un comunicado que acompaña la demanda que presentó Oxfam esta semana ante la Comisión de Bolsa y Valores de Estados Unidos, SEC, por sus siglas en inglés. El argumento central de la demanda presentada por Oxfam ante la SEC es una disputa que existe entre Moderna y los Institutos Nacionales de Salud de Estados Unidos. En julio, Moderna presentó una solicitud de patente para la vacuna contra la Covid-19 que solo menciona a los científicos que trabajan para la empresa, pero los Institutos Nacionales de Salud alegan que tres de sus propios científicos —John Mascola, Barney Graham y Kizzmekia Corbett—, financiados con fondos públicos, desempeñaron un papel clave en el descubrimiento de la vacuna. Si el Gobierno de Estados Unidos logra demostrar que tiene derechos sobre la patente, Moderna perdería cierto control sobre cómo se fabrica y distribuye la vacuna.

Oxfam compró acciones de Moderna y, por lo tanto, tiene derechos de accionista. Como empresa que cotiza en bolsa, Moderna debe presentar documentos exhaustivos a la SEC e informar a sus inversores y a la población sobre las finanzas de la empresa, además de explicar los riesgos a los que se enfrenta. En su demanda, Oxfam alega que Moderna ha estado mintiendo sobre la gravedad del conflicto de patentes que tiene con los Institutos Nacionales de Salud y el Departamento de Justicia de Estados Unidos, y está ocultando un proceso legal pendiente que podría causar una caída significativa en el precio de sus acciones.

El uso estratégico del derecho bursátil por parte de Oxfam es parte de una estrategia más amplia para lograr la equidad en el acceso a las vacunas. Se trata de la Alianza Vacunas para el Pueblo, una coalición mundial que reclama que el desarrollo de las vacunas contra la COVID-19 sea considerado como un bien común, y que estas sean distribuidas de manera justa a todos, en todas partes y de forma gratuita. Achal Prabhala, coordinador de AccessIBSA, una organización que promueve el acceso a medicamentos en India, Brasil y Sudáfrica, es uno de los referentes claves de la campaña.

En conversación con Democracy Now!, Prabhala expresó: “A menos que algo cambie drásticamente en el suministro de vacunas, estamos condenados a repetir estos terribles ciclos de olas, contagios e incertidumbre”. Prabhala es coautor de un reciente informe de AccessIBSA y Médicos sin Fronteras, donde se precisa que existen más de 120 fabricantes en Asia, África y América Latina con los requisitos técnicos y los estándares de calidad necesarios para fabricar una vacuna de ARNm.

Al respecto, Prabhala explicó: “Si la tecnología de ARNm que Pfizer, BioNTech y Moderna han desarrollado e implementado… se compartiera con cierto número de estas 120 empresas, podríamos vacunar al mundo en aproximadamente seis meses. No es teórico. De hecho, se basa en un modelo de asociación que empresas como Moderna tienen con fabricantes muy similares, excepto que están ubicados en España en lugar de Bangladesh, Senegal o Túnez”.

Según los datos más recientes de la Organización Mundial de la Salud, más de dos tercios de las personas en países de altos ingresos han recibido al menos una dosis de la vacuna contra la COVID-19, mientras que en los países de bajos ingresos, menos de una décima parte de la población ha recibido una dosis. Todavía hay países, principalmente en África, donde la tasa de vacunación es igual o menor al uno por ciento.

Prabhala afirmó: “[El levantamiento de las restricciones de las patentes] reduce el dominio de Moderna, Pfizer y BioNTech sobre estas vacunas y socava las exorbitantes decenas de miles de millones de dólares de ganancias e ingresos que pueden obtener vendiéndoles las vacunas a los países pobres en los próximos años, una vez que hayan terminado con los países ricos”. Achal ofrece una solución: “El presidente Biden puede llevar a Moderna a la Casa Blanca, sentar a sus ejecutivos a la mesa, decirles que tenemos leyes que pueden obligarlos a hacer lo que les pedimos que hagan, pero que preferimos que simplemente lo hagan, encontrarle la vuelta al acuerdo y luego dar por cerrado el asunto y atribuirse el mérito de vacunar al mundo”.

Vacunar al mundo es la forma de salir de esta pandemia. Nadie estará a salvo hasta que todos estemos a salvo.

Amy Goodman es la conductora de Democracy Now!, un noticiero internacional que se emite diariamente en más de 800 emisoras de radio y televisión en inglés y en más de 450 en español. Es co-autora del libro “Los que luchan contra el sistema: Héroes ordinarios en tiempos extraordinarios en Estados Unidos”, editado por Le Monde Diplomatique Cono Sur.

Tomado de: Democracy Now

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